奄美大島旅紀行　触れる・食べる・泊まる、島の文化をめぐる旅

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鹿児島県本土と沖縄県のほぼ中間に位置する奄美群島は、奄美大島、加計呂麻島、請島、与路島、喜界島、徳之島、沖永良部島、与論島の8つの有人島からなる。今回旅した奄美大島はその中で最も大きく、面積は700平方キロメートルあまり。東京23区や琵琶湖よりも広く、南北を車で縦断するにもおよそ2時間を要する。

奄美大島は、徳之島、沖縄島北部及び西表島とともにユネスコの世界自然遺産に登録され、2026年7月には5周年を迎えた。ここでしか見られない独自の生態系が守られ、ルリカケス、アマミノクロウサギなど絶滅危惧種も暮らす貴重な自然を宿す島だ。

東シナ海と太平洋、ふたつの海と亜熱帯の森に恵まれた島には、長い歴史の中で育まれた独自の文化が、今も暮らしの中に息づいている。「触れる・食べる・泊まる」をテーマに、奄美大島を旅した。

強い日差しと深い緑。奄美大島の第一印象

奄美空港からレンタカーを走らせると、まず目に飛び込んでくるのは、強烈な太陽の光と、その下に広がるさとうきび畑の濃い緑である。光と影のコントラストが、驚くほど鮮明だ。集落が現れては途切れ、その合間に小さな入り江が姿を見せる。海はエメラルドグリーンに輝きながら、波一つ立てずおだやかだ。クルマから降りて入り江を歩いてみる。容赦なく照りつける日差しに肌を焼かれながら、木陰に入れば、ふっと救われるような涼しさに包まれた。

神に捧げた飲み物をルーツに持つ　奄美大島のソウルフード「ミキ」

レンタカーで島を巡る道すがら、地元のスーパーマーケットに立ち寄るのも旅の楽しみだ。棚を眺めているだけで、この土地ならではの食文化が見えてくる。中でも目を引いたのが、「ミキ」と呼ばれる飲み物である。米とさつまいも、砂糖を原料に発酵させた乳酸菌飲料で、奄美大島を代表するソウルフードのひとつ。島では数社ほどが製造販売しており、島の人たちはそれぞれにお気に入りがあるという。ひとつ購入して「ミキ」を飲んでみる。おかゆを思わせるとろりとした舌触りに、ほのかな甘みとかすかな酸味が重なった。

かつて奄美では「ノロ」と呼ばれる女性祭司が祭祀を司っていた。「ミキ」は、豊年祭などで神に捧げるためにつくられた口噛み酒を起源とするともいわれ、その名も「お神酒」に由来するとされる。かつては各家庭でもつくられていたそうだ。スーパーの棚にごく普通に並ぶ飲み物の中にも、島で受け継がれてきた文化が宿っている。そんな発見もまた、奄美大島を旅する面白さである。

「触れる」奄美大島の伝統産業を知る、大島紬村を訪ねて

さとうきび畑と空と海を横目に、奄美空港から車でおよそ20分。奄美を代表する伝統工芸、大島紬を訪ねて「大島紬村」へ向かった。約1万5,000坪の敷地には、ヤシやアダン、ソテツ、ヒカゲヘゴなどの亜熱帯植物が生い茂り、まるで植物園のよう。夏にはシークワーサーが実り、秋にはシャリンバイが赤い実をつける。

「ルリカケスの声がしますね。姿を見せてくれるかもしれません」。そう教えてくれたのは、大島紬村の社長で、自らも伝統工芸士である越間得晴さんだ。代々大島紬の製造に携わってきた家に生まれた越間さん。この村は父の代に、奄美の自然に触れながら大島紬を知ってもらいたいという願いからつくられたという。現在では制作工程の見学に加え、泥田での絞り染め体験も行われている。

泥と植物が生み出す、大島紬の深い黒

越間さんと庭園を歩いていくと、泥染めの作業場にたどり着く。大島紬を象徴する「泥染め」は、シャリンバイに含まれるタンニンと泥の鉄分を化学反応させ、独特の黒褐色を生み出す伝統技法である。染めて、泥につけ、洗う。これを何度も繰り返し、2〜3週間、時には1か月以上をかけて深い黒を定着させていく。

「江戸時代に始まった技法で、一説には、薩摩藩の武士から紬を隠すため泥の中に入れたところ、独特の黒に染まったことが始まりともいわれています。技法として確立されたのは、明治から大正時代です」

工房では、シャリンバイ染め、摺込捺染（すりこみなっせん）、締機（しめばた）、手織りなど、大島紬が完成するまでの工程を見ることができるのだが、その複雑さと緻密さに圧倒される。一つひとつの工程に熟練の技と時間を要し、その積み重ねによって一反の大島紬が生まれる。目の前で手仕事を見ると、その貴重さが実感として伝わってくる。

大島紬の緻密な柄は、織りながら描いていくものではない。実は、織り始める前の糸の段階ですでに図案が仕込まれている。設計図に沿って、一本一本の糸に柄の一部分となる染め分けを施し、その絣糸（かすりいと）を経糸（たていと）と緯糸（よこいと）に使って、染め分けた位置を正確に合わせながら織っていく。つまり、一本の糸だけを見ても柄はわからない。それぞれに仕込まれた柄の一部分が、織り進めるにつれて重なり合い、やがて緻密な文様となって現れるのである。一反の大島紬の柄は、織機にかけるよりも前から、すでに無数の糸の中に分解されて存在しているのだ。

奄美大島・龍郷町発祥とされる「龍郷柄（たつごうがら）」。幾何学的な文様が印象的な、大島紬を代表する伝統柄のひとつ。ハブの背模様やソテツの葉など、島の自然をモチーフに発展してきた伝統柄である。幾何学的な文様は遠目には端正に、近くで見ると驚くほど緻密。大島紬ならではの絣の技術がよくわかる柄のひとつだ。

大島紬を、いまの暮らしへ

園内には、白を基調としたモダンなショップも併設されている。伝統的な龍郷柄から、ドット柄が印象的な白大島まで着尺が並ぶほか、アロハシャツや蝶ネクタイ、バッグ、財布など、現代の装いに取り入れやすいアイテムも揃う。反物を仕立てた際に生まれる端切れも、くるみボタンや帯留め、シュシュへ。長い時間をかけてつくられた布を、最後の一片まで生かす。伝統工芸をぐっと身近に感じさせるものが並び、あれこれ手に取っているうちに時間が過ぎていく。

大島紬村・大島紬製造工場観光庭園
鹿児島県大島郡龍郷町赤尾木1945
0997-62-3100

「食べる」奄美の食文化を次世代に手渡したい、なつかしゃ家の食卓

ビジネスや観光の拠点である名瀬は、奄美大島の中心地だ。多くの飲食店が軒を連ねる屋仁川通り（やにがわどおり）は、地元では「やんご通り」の愛称で親しまれている。その通りから少し入ったところに「なつかしゃ家」はある。店というより、田舎の親戚の家を訪ねるような一軒家の郷土料理レストラン。初めて訪れたのに、どこか懐かしさが込み上げてくる。その名の通り「なつかしゃ家」なのだ。この日も予約でいっぱいの店内を切り盛りしていたのが、女将の恵上イサ子（えがみ いさこ）さんである。

席に着くと、テーブルいっぱいに郷土料理が並んだ。鮮やかなピンク色のハンダマご飯、ピーナッツ豆腐、豚骨料理、祝い事に欠かせないもち米天ぷら。一品一品に島の知恵が詰まっている。

奄美大島のお料理の特徴は？と聞いてみた。「味の決め手は、サトウキビから作られるザラメと黒糖の巧みな使い分け。ほとんどの料理にザラメを使い、黒糖はお菓子に用いるのが奄美流。ザラメと黒糖だとやっぱりその味わいがお料理に使った時違うんです。全然コクが違うから」と恵上さんが説明してくれた。

奄美には「塩豚」の文化も根付いている。冷蔵庫のなかった時代、豚肉にたっぷりと塩をまぶして保存し、正月前に仕込んだものを翌年5月頃の田植えの時期に食べていたという。

「昔はそれぞれの家で米を作っていたので、豚肉にたっぷりと塩をして、その藁に包んで軒下に下げておくんです。それを田植えの頃に外して、煮て食べるんですよ」

肉を長く保存するための知恵でありながら、米を作る暮らしとも結びついていた塩豚。奄美の郷土料理には、島で暮らしてきた人々の生活が映し出されている。

恵上さんは元中学校の教員。定年まで勤め上げ、退職したのち郷土料理の店を開くのが夢だった。3歳の時に父を亡くし、料理は母の手伝いをしながら自然と覚えた。小学校5年生になる頃には運動会に自分で手巻き寿司を作るほど。

「家は貧しかったけれど、『貧乏はしても心の貧乏はさせない』という母の口癖だった言葉が、私の生き方の根底にあります」。

そして教員時代のある出来事も「なつかしゃ家」を開く原動力になった。夏休み直前の暑い日のことだった。

「数十年前、まだ奄美大島内でも生活水準に差があった頃のことです。中学一年生を筆頭にした3人兄弟が問題行動を起こし、鹿児島の教護院に送られることになりました。名瀬港へ見送りに行った私は、『どうして親元を離れて行くの？』と彼らに尋ねたんです。すると、『先生、俺たち兄弟3人、朝昼晩のご飯が食べられたら、どこでもいいんだ』。そう答えたのです」

何十年も前のことだというのに、恵上さんは少し涙ぐんでいる。あの日の言葉は、「子どもたちに二度とあのようなひもじい思いをさせてはいけない」という使命感へと変わった。退職後、かつての教え子たちが「先生」と言って帰ってこられる館を作りたい。その思いの原点となった出来事だった。

次なる夢は「体験の館」。奄美の文化を未来へつなぐ

「なつかしゃ家」を実現した恵上さんには、次なる夢がある。郷土料理を食べて「美味しかった」で終わるのではなく、自ら作り、その背景にある文化まで体験できる「館」を作ることだ。黒糖を使った蒸し菓子ふくらかんや天ぷら作りなど、誰もが参加できるクッキングクラスも思い描いている。

中でも伝えていきたいのが、正月に一年の健康や繁栄を願っていただく奄美大島の伝統料理「三献（さんごん）」である。一の膳、二の膳、三の膳と順に供される儀式的な料理で、同じ三献でも、お吸い物の出汁には豚骨や魚など地域による違いがあるという。

しかし若い世代では、準備や作法を簡略化する家庭も増えている。恵上さんは伝統を絶やすまいと、奄美高校の家政科で年に一度、4時間をかけて三献料理を教えている。

「高校生たちが『こんな伝統があるんだ』と知り、家族に話して、『じゃあ来年のお正月はやってみようか』という家庭が一つでも増えてくれたらいいなと思っています」

今日は奄美の唄者、 前山真吾さんが島唄を披露してくれる賑やかな夜だ。まずは「朝花節」で座が開く。三線（三味線）を弾きながら、ファルセットと節回し、音階は、初めて聞くのになぜか郷愁を掻き立てる。心が浮き立つような「ワイド節」で店内が温まってきた。恵上さんは配膳しつつ踊りつつと、見ているこちらも笑顔に。この店には、ここが自分の帰る場所だと思わせる安心感があふれている。

「76歳にもなってね、体験施設を作りたいとか、まだ夢を追いかけているから、人から見たらアホと思われるかもしれないでしょ」

恵上さんは少々自虐的に言うけれど、それでも夢を諦めたりはしない。今度は恵上さんの教え子たちが、先生を応援してくれている。奄美の食文化を次世代へつなぐために、恵上さんの挑戦は、まだ続く。

なつかしゃ家
鹿児島県奄美市名瀬柳町11-26
0997-57-1980
完全予約制

音楽と酒造りが出合う、奄美大島　西平酒造

奄美大島を旅するなら、黒糖焼酎は欠かせない。本来、黒糖を原料とする蒸留酒は、日本の酒税法では税率の高い「スピリッツ」に分類される。戦後、米麹を使用することを条件に、奄美群島（奄美大島・喜界島・徳之島・沖永良部島・与論島）に限り黒糖を原料とする焼酎造りが認められ、現在まで続く。黒糖焼酎は、奄美群島だけで造ることのできる、この土地ならではの酒なのである。

その黒糖焼酎に、新しい感性で向き合っている蔵がある。まもなく創業100年を迎える西平酒造だ。4代目の西平せれなさんは、東京の音楽大学へ進学後、ミュージシャンとして活躍していた経歴を持つ。現在も酒造家であると同時にミュージシャンでもある。さらに社員の半数もミュージシャン活動をしているというから面白い。

音楽と酒造り。一見異なるふたつの世界が、この蔵ではごく自然につながっている。それぞれが役割を担い、互いの感性を響かせながら黒糖焼酎をつくり上げる。そのものづくりは、バンド活動にも似ている。

創業当時からの主要ブランドは「珊瑚（さんご）」。「珊瑚」は最も古くからあり、従来はもっと力強い味わいだった。西平さんが帰郷後、女性や若者にも飲みやすいものを作りたいという蔵を刷新する機運があり、杜氏を説得して現在の味わいに改良。ラベルデザインも3年前に一新した。ポップなデザインが魅力的。

音楽で熟成する黒糖焼酎「Sonic Aging（ソニック・エイジング）」

音楽家が集まる西平酒造らしさを象徴するのが、「Sonic Aging」というユニークな試みだ。専用の音楽室に熟成樽を置き、それぞれの樽に異なるジャンルの音楽を聴かせる。選ばれたのは、ロック、レゲエ、ヒップホップ、ハウス、ラテン、そして奄美の島唄の6種類。ジャンルによって異なる周波数やリズムの振動が樽の中の原酒を揺らし、熟成や味わいにどのような変化をもたらすのかを探るプロジェクトである。

単に「音楽を聴かせた酒」として売り出したのではなく、6種類をそれぞれ商品化していること。島唄を聴いて熟成した酒、ロックを聴いて熟成した酒。それぞれを飲み比べ、香りや色、口当たり、風味の違いを自分の舌で確かめることができる。

「音楽をつくるように醸し、奏でるように発信する」を掲げる西平酒造。音楽と酒造りという自分たちが持つふたつの個性を、単なるイメージではなく、実際の酒造りにまで結びつけたのが「Sonic Aging」なのである。

黒糖焼酎を、まず島の人たちに知ってほしい

西平酒造がいま力を入れていることのひとつが、蔵見学ツアーである。当初は島外から訪れる人に黒糖焼酎を知ってもらうために始めたが、意外にも地元からの参加が多かった。とりわけ若い世代には、黒糖焼酎がどのような酒なのか、よく知らない人も少なくないという。

そこで、まずは地元の人たちに、自分たちの土地で造られている酒を知ってほしいと、見学ツアーを増やした。酒造りの現場を実際に見てもらい、さまざまな飲み方を提案することで、黒糖焼酎をより身近に感じてもらおうとしている。

西平さんの視線は、酒蔵の外にも向いている。

「ゆくゆくは地域の情報誌を作りたいんです。屋仁川のエピソードやお店の情報をアーカイブとして残し、地域の歴史や文化を伝えていくための媒体ができたらと考えています」

造り続けるだけではなく、まず知ってもらうことから始める。西平酒造の新しい試みの根底には、黒糖焼酎という奄美の文化を、島の次の世代へ手渡したいという思いがある。

西平酒造株式会社
鹿児島県奄美市名瀬小俣町１１−２１
蔵見学は要予約  2,500円お土産付
0997-52-0171

「泊まる」奄美の自然と文化に包まれる、ティダムーン

旅の滞在先に選んだのは、奄美空港から車で約10分、太平洋に面して建つ「ティダムーン」。目の前には青い海が広がり、その沖には「立神（たちがみ）」と呼ばれる岩が浮かぶ。奄美では古くから、海の彼方に豊穣の神々が住む「ネリヤカナヤ」があると考えられてきた。立神は、そこからやって来る神々の道標とされてきた、島の信仰と深く結びついた存在である。

ホテルの名は、奄美の方言で太陽を意味する「ティダ」と、英語の「MOON」を組み合わせたもの。太陽と月、海、そして立神。ホテルに身を置いているだけで、奄美の自然と、その奥にある島の文化を身近に感じられる。大島紬の織元がオーナーを務めるだけあって、館内には「大島紬美術館」を併設。島の食材を生かした料理も楽しめる。泊まることそのものが、奄美の文化に触れる時間になる。そんなホテルである。

太平洋と過ごす、ふたつのスイートルーム

ティダムーンには全23室の客室があり、そのうち6室がスイート。中でも太平洋に面した「衣-gin-」と「縁-en-」は、ともに66平方メートルのゆったりとした空間と、目の前に広がる海が印象的なスイートルームである。

「衣」のテーマは、その名が表すように大島紬。室内の随所に大島紬が取り入れられ、空間の中で身近に感じられるように設えられている。落ち着いた色調の室内の先には大きな窓が広がり、その向こうは太平洋。海と空が刻々と色を変えていく様子を、部屋にいながら眺めて過ごすことができる。

この部屋でひときわ目を引くのがバスルームだ。海に向かって開かれた空間にバスタブを備え、湯に浸かりながら太平洋を一望できる。朝には水平線から昇る太陽を、夜には月明かりに照らされた海を眺めながらのバスタイム。日常ではなかなか味わえない時間である。

もうひとつの「縁」は、太平洋に面した角部屋。窓の向こうには喜界島、沖合には立神を望む。室内は極めてシンプルで、大きなガラス窓の先には広いテラスが続く。朝日を浴びながらヨガをしたり、椅子に腰掛けて海を眺めたり。旅先だからと予定を詰め込まず、何もしない時間を楽しみたくなる。

この部屋の特徴はミニマルなインテリア。あえてテレビは置かれていない。この部屋で見るものは、一日の中で刻々と変化し表情を変える海と空があればそれでいいのだ。ゆっくりと昇る朝日のまばゆさも、夕刻から短い時間に現れるマジックアワーも、夜には海面に月明かりが帯のように伸びる「月の道」が現れることもある。見るべきものは奄美大島の自然が全部用意してくれているのだから。

「衣」と「縁」、趣は異なるが、どちらにも共通するのは、窓いっぱいに広がる奄美の海。テラスに出て潮風にあたり、海を眺めながらバスタイムを楽しむ。あえて予定を入れず、この部屋で一日を過ごす。そのために泊まりたくなるスイートである。

大島紬の美を間近に。大島紬美術館

ティダムーンを語るうえで欠かせないのが大島紬である。オーナーは大島紬の織元で、現在も大島紬を織り続けている。館内の「大島紬美術館」には、皇室に献上されたものと同柄の貴重な作品をはじめ、歴史あるものから現代的な大島紬までが一堂に並ぶ。

さらに、奄美の自然を描き続けた日本画家・田中一村の原画や、その絵を大島紬で表現した作品など、ここでしか見ることのできないものも展示されている。絵画の世界を染めと織りによって表現した大島紬は、近くで見るほど、その緻密さ、ドラマティックな色彩に驚かされる。

ティダムーンに宿泊して、大島紬美術館でさまざまな時代や表現の大島紬に触れる。織元が手がけるホテルだからこそ、滞在の中で大島紬を身近に感じられるのである。

ホテル ティダムーン 
鹿児島県奄美市笠利町大字平１２６０
0997-63-0006

大島紬美術館

ティダムーン内に併設。

美しい海や森、この島ならではの文化、そして人々の暮らし。奄美大島には、観光地としてつくり込まれすぎていない素朴さが、今も残っている。旅を終える頃には、その飾らない心地よさがすっかり好きになっていた。また帰ってきたい。そう思わせてくれる奄美大島の旅だった。

鹿児島の宝を巡る旅は、これからも続く。これまでの「南の宝箱　鹿児島を巡る旅」は以下から。

第一回　鹿児島の「茶」を巡る旅　はこちら

第二回　鹿児島の「ウイスキー」を巡る旅　はこちら

第三回　鹿児島の「焼酎」を巡る旅　はこちら

第四回　癒やしの島、屋久島へ。豊かな自然の恩恵を受けて暮らす人々が営むショップとカフェを訪ねて

京都で月を愛でる──平安から続く観月の文化と美意識

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秋の夜、ふと見上げた空に浮かぶ月。その美しさに足を止める時間は、昔も今も変わらないのかもしれません。

京都では平安時代から、月を愛でる文化が育まれてきました。月そのものだけでなく、水面に映る姿や、移ろう表情、周囲の景色とともに月を楽しむ。そこには、日本ならではの美意識が息づいています。

今回の京都通信では、平安時代〜現代にいたる観月の風習から、月見団子に見る地域の違いまで、月をめぐる文化をたどりながら、お月見の魅力を紐解いていきたいと思います。

平安貴族が愛でた月

月を愛でる文化は、いつ頃から親しまれてきたのでしょうか。

古くから、日本人にとって月は身近な存在。月の満ち欠けを基準とした暦、月の神様への信仰、そして文学や情緒の源泉として、日本人の暮らしや文化に深く根付いてきました。

そこへ中国の観月文化が加わったのが平安時代。以来、お月見の風習が宮廷を中心に広まったといわれています。

広く親しまれるきっかけとなったのが、嵯峨天皇による観月の宴。現在、大覚寺の東に位置する大沢池がその舞台となりました。

嵯峨野のなだらかな山並みを借景に水をたたえるこの池は、嵯峨天皇の離宮・嵯峨院の苑池として造られた日本最古の人工林泉。中国の洞庭湖を模したことから「庭湖」とも呼ばれ、唐風文化を好んだ嵯峨天皇の趣向が随所に感じられます。

中秋の名月の夜、嵯峨天皇は文化人や貴族らとともに、色鮮やかな龍頭鷁首を浮かべて詩歌を詠み、管弦を奏でながら月を愛でる——そんな風雅なひとときを過ごしたとされています。

月を映して味わう。観月の美意識

観月の楽しみは、夜空に浮かぶ月を見上げることだけではありません。

実は、お月見の風習が広まった平安時代、月をじっと見つめることは良くないことと考えられていました。

平安時代初期に書かれた『竹取物語』には、月を眺めて物思いに耽るかぐや姫が「月の顔見るは忌むこと」とたしなめられる場面があります。また、『源氏物語』宿木の巻にも、「月見るは忌みはべるものを」という表現が。

それでも、人々は月を愛でてきました。

平安貴族たちは、月を直接見るのではなく、池の水面や盃のなかのお酒に映る“逆さ月”を愛で、風流を楽しんだとされています。

このように、古くから人々は、月そのものだけでなく、月がつくり出すさまざまな景色にも心を寄せてきました。

日が暮れて、空の青が少しずつ深まり、やがて月が昇る。
十五夜に近づくにつれ、満ちていく月。
雲に隠れていた月が、ふと姿を見せる、その瞬間。

情景の美を見出すだけでなく、満ち欠けする月の姿に、時の移ろいやもののあわれを感じ取っていたのではないでしょうか。

今年のお月見は、そんなことに思いを馳せながら、月を眺めるひとときをゆっくりと味わってみるのもよいかもしれません。

現代に受け継がれる月見の文化　京都で楽しむ観月会

平安時代の貴族たちが楽しんだ観月の文化は、長い年月を経た今も受け継がれています。中秋の名月の頃になると、各地で観月会が催され、月にまつわる行事を楽しむことができます。もちろん、それは京都でも。

まずは、ライトアップされた名勝庭園「平安神宮神苑」へ。昼間とは異なる趣の庭園をゆっくりと散策し、静寂に包まれた秋の夜を堪能します。ディナー会場となるのは、神苑を臨む会館。旬の味覚をふんだんに取り入れた、この夜だけの特別なコースで、実りの秋を五感で味わいます。食事の時間には、舞妓さんによる舞も披露。艶やかな装いと優美な舞を間近で鑑賞したあとは、舞妓さんとの写真撮影も可能です。

美しい月を愛でながら、京都ならではの秋の風情と、古都の伝統文化に触れる特別なひとときを過ごしてみてはいかがでしょうか。

〈～中秋の名月を愉しむ～観月ディナー〉

開催日程：2026年9月25日（金）
公式サイト：https://www.heianjingu.com/party/afternoontea/usual/kangetsu-heian/

〈観月祭 ―月を詠み、月を愛でる―〉

開催日程：2026年9月26日（土）
公式サイト：https://tomo-group.co.jp/lp/ninnaji_kangetsusai/

そのほか、月にちなんだ法要や雅楽・舞楽を楽しめるものから、茶席や食事とともに付きを愛でるものまで、さまざまなイベントが。大覚寺・大沢池では毎年、3日間にわたって「観月の夕べ」が開かれます。1,000年以上の時を経てもなお、同じ場所で月を眺められることに、昔と今とが月を介してつながっているような感慨を覚えます。

こうした観月会をきっかけに、古くから続く月見の文化に触れてみるのも一興です。

月見団子に見る地域の文化

江戸時代になると、お月見の風習は庶民にも広まります。ただ月を愛でるだけでなく、秋の収穫を祝い、翌年の豊穣を祈るための行事として定着。月に見立てたお団子をお供えするようになったのは、この頃からだといわれています。

実は、この月見団子には地域による違いがあります。関東では、白く丸い団子を積み上げる形が一般的。一方、関西では、里芋を思わせる細長い形の団子にあんを巻いたものがよく見られます。

そのほか、静岡には「へそもち」と呼ばれる中央がくぼんだ団子を供する地域も。沖縄には細長いお餅に小豆をまぶした「フチャギ」を供える風習があります。

十五夜（中秋の名月）は「芋名月」とも呼ばれ、里芋などを供える風習とも結びついてきました。関西で見られる里芋形の月見団子も、こうした風習を背景にしたものとされています。

また、名月は十五夜だけではありません。
旧暦8月15日にあたる十五夜の約ひと月後、旧暦9月13日を「十三夜」と呼びます。

十五夜が中国伝来の行事であるのに対し、十三夜は日本独自の月見の風習。
十五夜に次いで美しいとされるこの夜の月は、満月ではなく少し欠けた姿をしています。この月を名月として愛でるところに、不完全なもののなかに美を見出す、日本らしい美意識を感じさせます。

十三夜は、栗や豆が収穫できる時期であることから、「栗名月」や「豆名月」とも呼ばれ、月見団子のほか、栗や枝豆、柿、南瓜など、季節の収穫物を供えるのが習わし。

かつては十五夜と十三夜、どちらか一方の月だけを見ることを「片見月」といって、縁起が悪いとされていたそう。人々にとって、十三夜も、それほど身近なものであったことがうかがえます。

今年の中秋の名月は9月25日。でも実は、満月を迎えるのは翌々日の27日なのです。名月と満月の日付がずれることは、しばしば起こるそうですが、2日ずれることは稀。次に起こるのは2043年なのだとか。

さらに、今年は中秋の名月と金運の吉日とされる寅の日が重なる年。そんな夜に月を眺めれば、何だか良いことが起こりそうな気がしてきます。

千年以上の時を超えて、今も私たちの暮らしに残る月見の文化。少しだけ立ち止まって、月を眺めてみる。秋の京都で、そんな時間を楽しんでみてはいかがでしょう。

Text by　Erina Nomura

野村枝里奈
京都在住のライター。大学卒業後、出版・広告・WEBなど多彩な媒体に携わる制作会社に勤務。2020年に独立し、現在はフリーランスとして活動している。とくに興味のある分野は、ものづくり、伝統文化、暮らし、旅など。Premium Japan 京都特派員ライターとして、編集部ブログ内「京都通信」で、京都の“今”を発信する。

「一枚の布」から未来を切り拓く
A-POC ABLE ISSEY MIYAKEへ、高まる世界からの期待

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A-POC ABLE ISSEY MIYAKE（以下、A-POC ABLE）は、コロナ禍の2021年に誕生したイッセイ ミヤケのブランドだ。美しい服を生み出すだけのブランドではない。伝統の素材や職人技を受け継ぐ産地、変形素材やコンピューターアルゴリズムを扱う研究者やスタートアップ、第一線のアーティストから若手クリエイターまで——分野の異なる企業や個人との協業を重ね、これまでにない服作りのあり方を次々と生み出し、日本発のデザインの発想を世界へ届けている。「PREMIUM JAPAN AWARD 2026」では、同ブランドが手がけてきた数々のプロジェクトの革新性と、日本のものづくりの地平を広げてきた貢献。その両面を評価し、同賞を贈ることとした。

熱を加えると、一枚の布が自ら立ち上がる

平らな一枚の布に、高温の蒸気を当てる。すると、布が自ら折れ、ふくらみ、やがて身体を包む立体へと変形していく。まるで布そのものが、これからなるべき形を記憶していたかのようだ。これは魔法ではない。イッセイ ミヤケのブランド「A-POC ABLE ISSEY MIYAKE」（以下、A-POC ABLE）が得意とするスチームストレッチという技術だ。
同ブランドは、2023年、この技術を軸に、Nature Architectsと協業し「一枚の布」が変形し立体的なジャケットやワンピースになる「TYPE-V Nature Architects project」を発表し世界的に話題となった（2025年には同技術で作ったブルゾンを製品化）。
イッセイ ミヤケが1970年代から追い続けてきた「一枚の布」の理想が、一段進化した。

最先端の服作りを手掛けながら、もう一方では17世紀に京都で生まれた友禅染の系譜を受け継ぐ手捺染（てなっせん）の技で現代美術家、宮島達男さんの作品を描いたブルゾンを作り、京都市京セラ美術館で展示もしている。最近ではコペンハーゲンのデザインイベントで、布とワイヤーで作った光を纏う照明を出品し大きな話題をさらった。 テクノロジー、伝統の職人技、一次産業、現代アートとA-POC ABLEの活動領域は縦横無尽だ。

産業革命後、大量生産されるようになった西洋の服作りが日本にも広まり定着したのは20世紀になってから。A-POC ABLEは、それが服作りの唯一の答えでも、最終形でもないと世界に示すように、日本各地に眠る素材、技術、アーティストの想像力を見つけ出し、それまで交わらなかった点と点を「一枚の布」という概念の上でつないで、世界に届くプロダクトに変えてきた。

A-POC ABLEとプロジェクトを共にすることで、協業先とイッセイ ミヤケが手を携えて世界に羽ばたいてきた。Premium Japan Awardでは、こうした前例のないチャレンジや協業したクリエイターたちと高め合う姿勢の両方を評価して、2021年に誕生したこのブランドに賞を贈ることにした。これまでの取り組みにブランドを率いるデザイナーの宮前義之さんに話を聞いた。

A-POC――服づくりの工程そのものをデザインする

A-POC ABLEを理解するには、まずA-POCの話から始めなくてはならない。
A-POCは「A Piece Of Cloth」の頭文字、すなわち「一枚の布」のことだ。通常の服は、生地を選ぶところから始まり、その布をデザイナーが設計した服のパーツの形に裁断して、縫い合わせていく。これに対してA-POCでは、あらかじめコンピューターに服のパーツの形、柄、構造、例えば熱で収縮する糸をどこに使うかなどの設計図を先にプログラムしておき、コンピューター制御で布を作るところから始まる。
できあがった布にはあらかじめ服のパーツが切り取りやすい形で織り込まれているので、あとはそれを切り出して、プラモデルのように組み合わせていくことで服が作れる。
1998年、三宅一生さんが藤原大さんと共にコレクションとして発表するや、服のシルエットだけではなく、製造のプロセスそのものを変える画期的な服づくりの技術として大きなニュースとなり、その後、ニューヨーク近代美術館（MoMA）やメトロポリタン美術館にも永久収蔵された。

このA-POCの登場は、当時、アパレルデザインを学び、これから服作りの仕事をしようと考えていた宮前さんにとっても衝撃的な事件だったという。
「今まで自分が学んできたことは何だったんだろう、と思うくらいショックでした。でも同時に、すごくワクワクしたんです」
1998年と言えば、インターネットの普及が始まり、アップルが最初のiMacを発表した年。コンピューターが生活へ入り始めたタイミングで、服づくりもテクノロジーとつながり、新しい時代が幕開いた。その中心にA-POCがあったと、宮前さんは振り返る。

「用意された生地」から始めない

３年後の2001年、イッセイ ミヤケ入社を決心した宮前さんが最初に任されたのが、このA-POCのブランドだった。
繊維産業は長い分業の連鎖で成り立ち、一般的なデザイナーは、出来上がった生地を選ぶところから仕事を始めることが多い。しかしA-POCの現場では、デザイナー自身がもっと制作工程の上流へ入り込んでいく。なぜこの糸なのか。なぜこの織り方なのか。この工程は本当に必要なのか。別の方法はないのか。工場や職人と直接対話しながら、工程を分解し、もう一度組み立て直す。宮前さんはそこで繊維の知識を徹底的に叩き込まれた。
同時に、日本のものづくりの現実も見てきた。繊維産業は縮小してきたが、各地には高度な技術を持つ職人や工場が残り、顔を合わせて試作と改善を重ねられる距離感もある。これを日本の弱さではなく、まだ活かし切れていない強さだと見るようになった、と宮前さんは語る。

2012年春夏から2019年秋冬まで、宮前はISSEY MIYAKEのデザイナーとしてパリ・コレクションブランドを率いた。半年ごとに大きなテーマを構築し、服を作り、世界に発表する。デザイナーとしてこれ以上ない濃密な経験である。一方で、続けるほどに、ある種のもどかしさも膨らんだ。本当に新しいものは、半年で生まれるのだろうか。もちろん、既存の素材や技術を編集して新しいイメージを提示することはできる。

しかし、産地の作り手と工程から見直すこと、専門領域の研究者と未知の技術を育てることには、もっと長い時間が必要だ。 三宅一生さんとも、そんな話を重ねた。イッセイ ミヤケの服作りで度々、使われてきたA-POCの技術だが、三宅さんはこの技術はまだ完成しておらず、時代が変わろうとする今だからこそ、もう一度発展させるべきだと思っていた。

こうして2020年、横尾忠則さんとのプロジェクト「TADANORI YOKOO ISSEY MIYAKE」が始動する。横尾さんの複雑な絵の世界を、布の上にプリントするのではなく、限られた色の糸を組み合わせて織りで表現したプロジェクトだ。印刷したのではなく、織りで表現しているため、裏地を見ると、まるで絵のネガフィルムのような不思議な表情が現れる。
できあがった服を見た横尾忠則さんも、三宅一生さんも大変満足し、宮前さんもこの体験でA-POCをもう一度発展させられる感触を得たという。こうして宮前さんは2021年、チームを作ってA-POC ABLE ISSEY MIYAKEという新しいブランドを始動させることになった。

「ABLE」は可能性を示す言葉。実際、ブランドの活動はファッションの領域を越え、アーティスト、素材メーカー、デザイナー、研究者、音楽家、建築家へと広がっている。
「最近は一言で何をやっているのか説明するのが難しい」と宮前は笑う。だが、軸はぶれていない。常に「一枚の布」から考えること。そして、作り手と受け手の関係を広げること。そのシンプルな原点があるからこそ、領域はいくらでも広がっていく。

アートが技術を要求し、技術がアートを刺激する

A-POC ABLEは、この５年間、さまざまなアーティストやクリエイターと協業をしてきた。

宮前さんは、アートは美術館の壁だけではなく、もっと日常的な場にもあるべきものだと考えている。服なら身体に最も近い場所で毎日触れられ、着ることで気分や意識も変わる。アートの力を借りて、日常の感覚を少し押し広げられるのではないか。
横尾忠則さんの後にも、現代美術家の宮島達男さん、デザイナーの狩野佑真さん、グラフィックデザイナーの小林一毅さん、写真家の西野壮平さん、写真家の梅本健太さん、グラフィックデザイナー／クリエイティブディレクターの花原正基さん、東京都現代美術館での個展で一躍有名になった現代美術家・寒川裕人 / ユージーン・スタジオさんなどさまざまなクリエイターと協業を行ってきた。
最新のプロジェクトの１つが現代美術家・松山智一さんとの「TYPE-XII Tomokazu Matsuyama project」で、2026年夏、ニューヨークでも大々的に披露され好評を得た。

このようにA-POC ABLEは、最新のテクノロジーとも協業し、アーティストとも協業する。宮前さんは、アートとテクノロジーの関係を「振り子」のようだと表現する。高い表現を目指すアーティストと向き合えば、これまでの技術では足りなくなる。もっとできないか、という要求が研究を前へ進める。逆に、新しい技術と出会えば、それまで思いつかなかった表現が見えてくる。アートだけでも、テクノロジーだけでもない。その往復運動の中に、A-POC ABLEの創造がある。

アルゴリズムと職人技が、一枚の布で出会う

テクノロジー企業との協業で最も象徴的なのが、冒頭でも触れたNature Architectsとのプロジェクトだ。Nature Architectsは、東京大学での折紙工学研究の知見を発展させ、変形する素材（メタマテリアル）でもものを作る技術を開発している。
メタマテリアルで作りたいものの形を入力すると、そこから逆算して、設計図を作ってくれる。イッセイ ミヤケには特殊な糸を使って布を織り、蒸気を当てて変形させるスチームストレッチという独自のメタマテリアルの技術があったが、さまざまな立体状を折りの設計図に転換するためには、膨大な計算や折紙工学に基づいたシュミレーションが必要となり、人間の頭で考えて設計するには限界があった。
Nature Architectsによる折り紙の設計技術と出会ったことで、「一枚の布」をジャケットのような複雑な立体形状に変形させることが可能になった。この技術はミラノデザインウィークで発表されて以後、世界のデザイン雑誌やコンピューター関連の学会で紹介され、Nature Architectsの名を世界に広めた。

他にも、東京大学大学院の研究グループと富士フイルムが開発した変形するフィルム素材でアクセサリーを作るプロジェクトや、テキスタイルの廃棄を減らすアルゴリズムを持つデザインラボラトリーのSynflux（シンフラックス）とのプロジェクトなども進めている。

宮前さんは、こうした先端テクノロジーのプロジェクトを自動車レースのF1にたとえる。限界まで性能を追い込み、新しいエンジンを作るような研究。一方で、それだけでは事業は続かない。そこで磨いた技術を、街中を快適に走る乗用車のような日常のプロダクトへ還元していく必要がある。研究と商品開発。尖った実験と安定した生産。その両輪を回すことが、工場の機械を継続的に動かし、日本のものづくりを次へつなぐことにもなる。

米の籾殻が、演奏家の「特別な黒」になる

A-POC ABLEが模索し挑戦しているのは服作りの技術だけではない。
日本の一次産業と深く結びついた素材に関する取り組みも多い。宮前さんが特に熱心に取り組んでいるのが、高知県土佐市で和紙を作るメーカー、三彩と協業したプロジェクト「TYPE-Ⅶ Kouzoshi project」だ。
土佐地方で作られる楮（こうぞ）。この素材で作られた和紙は繊維が長く強靱で、世界的な文化財修復などにも使用されている希少な和紙。三彩は、この日本が誇る貴重な原料を途絶えさせないように衣服という日常的に触れるものに使ってもらうべく、この楮から糸を作り、A-POC ABLEがそれを布に起こしプロダクトを作った。
決して簡単ではない楮からの糸作りだが、三彩が専用の機械を作り、和紙らしい風合いや柔らかさ、ハリと言った特徴をどのように出すかをA-POC ABLEのチームと議論を重ねながら形にしていった。産地を“素材提供者”として捉えるのではなく、作り手と一緒に価値の見せ方までを考えるA-POC ABLEのチームの姿勢がよく現れたプロジェクトでもある。

長い分業の歴史の中では、高度な技術を持つ職人でさえ、自分の仕事が最終的に何になったのかを知らないことがある。
工程のブラックボックス化は、時に新しい発想を阻む壁にもなる。だからA-POC ABLEのチームは協業者と膨大な議論を重ねる。
なぜこの布が必要なのか。どんな服を作りたいのか。完成後には展示を見てもらう。
自分の技術が最終的にどう人の身体を包み、どう評価されたのか。すると作り手からも、「次はこうしてみよう」という提案が返ってくる。イノベーションとは、新しい機械を導入することだけではない。分断された人と工程を、もう一度つなぎ直すことでもあり、A-POC ABLEは服飾業界において、これを最も真摯に行っているブランドの１つだろう。

素材に関わる取り組みでもう１つ面白いのが、ソニーグループが開発したトリポーラス（Triporous™）を使ったプロジェクトだ。
これは米の籾殻を原料とする多孔質カーボン素材で、A-POC ABLEはそれを糸に練り込み、色落ちがしにくい独特の深い黒を持つ衣服へ展開してきた。やがて、このプロジェクトが宮前さんの頭の中で、三宅一生さんから投げかけられた別の課題に重なった。
「クラシックの演奏家たちは、なぜあれほど身体を大きく動かすのに、窮屈そうな正装で演奏しているのだろう。もっと自由に動け、美しく、音楽の場にふさわしい服は作れないのか」というものだ。 これが指揮者・井上道義さんとの協業へつながり、「TYPE-I MM project」が生まれた。
トリポーラスを練り込んだ黒い生地にスチームストレッチを組み合わせ、指揮者や演奏家の身体を心地よく包みながら、正装としての端正さを保つ衣服づくりだ。プロジェクトの工程は、演奏とものづくりを重ね合わせたドキュメンタリー映像として記録された。

小さなチームだからできる、終着点を決めないデザイン

このようにA-POC ABLEでは素材の選び方から、衣服の設計、製造工程、仕上げの工程、さらには服の目的に至るまで服作りのすべての工程を見直し、新たなチャレンジを重ねている。
最近では、そのデザインのプロセスを服作り以外にも広げ始めた。スイスのデザインスタジオatelier oïと進めた「TYPE-XIII Atelier Oï project」——「一枚の布」と「一本のワイヤー」でできた照明で、技術面では日本を代表するポータブル照明メーカーのAmbientecが協力している。スチームストレッチの布によるシェードは交換が可能で、花を生けるように光の表情を変えられる。服から始まった技術が、暮らしの空間へ広がりつつある。
取り組みは商品にとどまらない。店舗やそこで使う什器、マネキンなども環境に配慮した形でデザインをしている。特に革新的なのは修正や補修がしやすくリサイクルもしやすい３Dプリンターで作ったMagnaRecta（マグナレクタ）という会社と作ったマネキンで、３Dプリンターを使った特殊な製法で壊れてもすぐに修復ができたり、リサイクルがしやすかったりといった特徴がある。
こうした服作り以外のプロジェクトも含め、協業した各社との取り組みは、「ダイアローグ」としてA-POC ABLEのブランドのホームページで日英中の三言語で丁寧に紹介している。
宮前さんの話を聞いていると、決して本人が前へ出て強烈な作家性を押し出すタイプではないことに気がつく。彼がむしろ目を輝かせるのは、自分が知らなかった技術や、誰かの研究について話す時だ。

「知らないことを知るのは楽しい」。その素朴な好奇心が、活動を広げる最大のエンジンに見える。最初はファッションに興味のなかった研究者が、会ううちに服を着ることを楽しみ始めることもあるという。逆にA-POC ABLE側は、彼らの専門領域から世界の見方を教わる。
協業とは、互いの好奇心が感染していくプロセスのようだ。現在のA-POC ABLEは、企業の中にありながら、小さなベンチャーのようなチームで動く。判断が速く、右へ行くか左へ行くかをその場で決められる。その身軽さを宮前さんは大切にしている。
デザインミーティングでも、最初から「ジャケットを作る」「バッグを作る」とゴールを決めない。紙を折る。四角いものを畳む。形を反転させる。素材を変える。そこから「これは服になるかもしれない」「逆さにしたらバッグかもしれない」「将来は建築に使えるかもしれない」と可能性を広げていく。

日本のものづくりを「過去」ではなく「未来」として見せる

海外での反応を尋ねると、宮前さんはまず三宅一生さんという存在の大きさを口にした。その土台の上で活動できることへの敬意と自覚が、言葉の端々にある。
海外の展示会ではワークショップも行う。完成品を見るだけでなく、布に触れ、変化を体験してもらうと、子どもから年配者までが集まる。デジタルで何でも見られる時代だからこそ、目の前で形が変わる実感が人の心を動かす、と言う。
宮前さんは、海外で日本のものづくりへの関心が高まっていることも感じているという。だが、それを「日本はすごい」と内向きに称揚するだけでは意味がない。重要なのは、まだ知られていない技術や人を見つけ、現代の価値へ翻訳し、実物を持って世界へ出て、直接対話することだと言う。 A-POC ABLEには近年、世界中の企業から「こんなことはできないか」との相談が届くようになったらしい。半ば『ものづくりの悩み相談室』のようだ、と宮前さんは笑う。
その言葉は、このブランドの現在地をよく表している。 A-POC ABLEは、日本の優れたものを並べるショーケースではない。古い技術と新しい技術、手仕事とアルゴリズム、アートと産業。その間の壁を低くし、「一枚の布」をコンセプトにしたプロジェクトやプロダクトに変えることで世界に発信するプラットフォームとして無視できない存在になってきている。
今回、Premium Japan Awardの受賞者として選出したのも、ファッションのブランドとして以上に、日本発の新しいものづくり文化を生み出すプラットフォームとしての可能性を評価してのことだ。

宮前義之　Yoshiyuki Miyamae

1976年東京生まれ。2001年 三宅デザイン事務所に入社し、三宅一生が率いたA-POCの企画チームに参加。その後ISSEY MIYAKEの企画チームに加わり、2011年から2019年までISSEY MIYAKEのデザイナーを務めた。2021年にスタートしたブランドA-POC ABLE ISSEY MIYAKEでは、エンジニアリングチームを率いて、A-POCの更なる研究開発に取り組む。

なぜ日本の海から海藻が消えているのか。シーベジタブルが挑む海の生態系回復への道

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「海藻で　海も人も　すこやかに」――このスローガンを掲げる合同会社「シーベジタブル」は、海藻の「研究・生産・加工・販売」を行う会社である。海藻を研究し、陸上と海面での栽培方法を確立させ、食利用に加えて、海藻の新たな活用方法を提案する。日本の海域に生息する海藻は約1500種類以上もあり、そのすべてが毒を持たず、食用になり得る。だが、肝腎の海藻が激減しているのだ。会社名の「シーベジタブル（SEA VEGETABLE）」は「海藻＝海の野菜」を意味する造語である。社には、研究者から料理人まで各分野のスペシャリストが集まり、栽培はもちろん料理開発まで行っている。無限の可能性を秘めた会社のあり様が高く評価されて、「PREMIUM JAPAN AWARD 2026」を受賞した。共同代表の友廣裕一氏に話を聞いた。

海藻資源の現状と「磯焼け」の原因

海の元気を取り戻すためには、海藻が極めて重要な位置にあることはあまり知られていない。理論だけではなく、実際に海藻の栽培に着手したところに、「シーベジタブル」の唯一無二の存在意義がある。
まず、海藻をめぐる海の現状を知ることによって、そこに喫緊の課題性があることが理解できるだろう。

以下、友廣氏が話す。

「天然海藻全般について言えるのですが、例えば、ひじき、昆布、とさかのり、天草なども収穫量が激減しています。とりわけ、ひじきの国産比率は10％程度まで低下し、輸入に頼っているのが現状です。すじ青のりにしても、天然物が市場から消え、ピーク時には価格が3〜4倍に高騰するなど、資源枯渇が深刻化しています」

その原因はどこにあるのだろうか。

「海藻が減少する『磯焼け』の最大の原因は、魚やウニによる食害です。特に、温暖化のために冬の海水温が下がらなくなり、海藻を食べる生物が一年中活発に活動することで、芽が生えたばかりの海藻が食べ尽くされていまい、資源が回復できなくなっています。河川からの栄養減少も特定の海藻の成長が遅くなる原因にはなりますが、圧倒的な主因はやはり食害、とりわけ魚が海藻を食べてしまうからです」

海水温の上昇も、魚やウニの活動も御しがたい。現時点で、取られている対抗策はあるのか。

「現在の主な対策はダイバーによるウニの駆除ですね。一個ずつハンマーで叩くわけですが、広大な海域全体を網羅するアプローチとしては効率や継続性に課題が残るため、局所的・限定的な施策にとどまる側面があります。一方で、特に魚の食害に対しては有効な手立てがないのが現状です。既存の対策では、限界があると言わざるを得ません」

技術開発、天然依存からの脱却

そこで、「シーベジタブル」が成し遂げたことが三つある。

一つ目は、未利用海域の活用と栽培技術の確立である。

「漁師さんが種苗を調達して海で生産できる状態になっている海藻は、わかめ、昆布、海苔、沖縄もずくの4種程度に限られています。その結果、4種類の海藻が育つ海域は利用されていますが、それ以外の多くの海域が未利用な状態。つまり『海の耕作放棄地』のままとなっています。

当社が着手する時に最初にやることは、これらの未利用海域に適した海藻を見つけ出すことです。種苗研究所技術を確立した30種類以上の海藻の中から、海域に適した海藻を選びます。
私どもは種苗生産から量産までの技術をゼロから開発しましたが、海面栽培の場合は漁業権が必要になるので、自社で生産した種苗を漁師さんに譲渡して育ててもらいます。生産する海藻の一部を紹介しますと、すじ青のり、あつばアオサ、はばのり、とさかのり、みりん、若ひじき、スーナ、もずく、などです」

二つ目に挙げられるのが、世界初となる地下海水を使用した青のりの陸上栽培技術の成功だ。

「海洋環境（栄養塩不足など）に左右されない安定した高品質生産のために、地下海水を用いた陸上栽培技術を確立しました。全国に拠点を構えて、障害のある方や高齢者と共に、通年で安定した栽培を行っています。すじ青のりや黒のりに関しては、商業レベルでの陸上量産に世界で初めて成功し、2024年には黒のり生重量10万枚相当の生産を達成したのです。

私たちの基本方針は『海で作れるものは海で、海で作れないものは陸上で』と考えていますが、陸上栽培の場合は費用も大きくなるので、事業性（成長率×単価）も加味して進めています」

種苗生産の技術開発といい、陸上や海面での量産技術といい、世界に類のないことを成し遂げている企業であることは特筆に値する。

「海藻は生態系ピラミッドの底辺を成すものです。つまり、海面での海藻栽培は、小型葉上動物を増やし、それを餌とする魚の個体数を増加させるものでもあります。生態系ピラミッドの土台を広げることは、海の豊かさを回復させることでもあるのです」

事業展開と食文化のアップデート

実は、日本人の海藻消費は激減している。１人当たりの１日の海藻消費量は、平成６年で4.2グラムだったものが令和４年には2.1グラムと、28年間で半減してしまった。

かつてはワカメの味噌汁やひじきや酢の物を食べていた日本人の食卓が、欧化してしまったためだろう。

「日本において食が多様化するなかで、変化に対応できなかったのが海藻という食材じゃないかと感じています。そこで大事になってくるのは、料理開発です。従来の酢の物や味噌汁といった用途はもちろんあるのですが、大事なのは、例えば海藻をパンや焼き菓子と組み合わせたり、乳製品・油分と相性の良いイタリアン・フレンチでの活用など、新しいレシピや食べ方の提案です」

「社内の料理開発チームや社外パートナーシェフたちとともに、家庭でも実践しやすい海藻の新しい食べ方や調理法を発信しています。
と同時に社内では、海藻×発酵といった研究開発も熱心に行っています。一例を挙げれば、『青のりしょうゆ』というまったく新しい海藻発酵調味料があります。そうした商品によって市場を再活性化させて、海藻の需要と消費を促しています」

ガストロノミーとのコラボレーションも盛んだ。

例えば、2025年のミシュランガイド東京および京都・大阪のセレモニーでは、三つ星に輝く「L’Effervescence」や「菊乃井 本店」が海藻を用いた料理を披露。「noma Kyoto」では、シーベジタブルの海藻を使用したメニューを２年連続で提供した。予約が極めて困難な「Pizza 4P‘ｓ Tokyo」では、シーベジタブルの海藻を使用した2種類のメニューを常時出している。
これらは世界や日本のトップレストランだが、いずれも食材に対して極めて高い意識を持つシェフたちの店だ。

多様なチャネルとの共創

外部企業との連携も盛んに行っている。

「百貨店関係ですと、2024年の９～10月ですが、伊勢丹新宿店と日本橋三越本店において、特別イベント『EAT ＆ MEAT SEA VEGETABLE』を開催しました。それは全ジャンル横断の海藻フェアで、様々な店舗と弊社がコラボレーションしまして、約175商品が並びました。甘いお菓子との組み合わせからお酒がすすむ総菜まで、海藻の新たな食体験と言うべきものでしたね。今年10月から来年の春にかけて、複数の百貨店、デベロッパー、飲食事業者、料理人らと共に海藻フェアやイベントを仕掛ける予定です。

コンビニならセブン-イレブンとの協働では、『セブンプレミアム』で３商品『すじ青のり天ぷらうどん』『塩焼きそば』『豆腐とたまごのスープ』で、いずれもすじ青のりが主役の商品です。

ほかにも「SEA VEGETABLE Co Creation Project」というプロジェクト創出を目指したプログラムを実施しており、パナソニック株式会社、株式会社テレビ東京、東京建物株式会社、株式会社みずほフィナンシャルグループなどの企業に参画していただいています」

海藻の可能性は食用品だけではない。そこをしっかりと捉えているところが、「シーベジタブル」の会社としての凄みなのだろう。

「海藻の用途は、食品だけではありません。飼料、肥料、バイオプラスチック、繊維、化粧品など、多くの用途に応用の可能性があります。例えば、東京・八重洲の常設拠点では海藻を主役にした飲食店『シーベジスタンド』を運営していますが、空間の壁や照明に海藻を使用しています」

「この展開に関して世界銀行は、2023年の報告書の中で、海藻の食品用途以外として、バイオスティミュラント（農業資材）、動物飼料、栄養補助食品、代替タンパク質といった10の新市場を特定しています。

世界の海藻の生産量は、2002年から2023年の間に約３倍に増加しました。世界銀行の同報告書では、2030年までに市場規模が最大118億ドル（約1.7兆円）に成長すると予測されています」

まさに、会社の未来には無限の可能性と成長が約束されたようなものだ。

今後の課題と展望

今後の課題はどこにあるのか。

「世界では海藻は成長産業と位置づけられていて、すごく盛り上がっています。現時点では海藻の利用において日本が世界の最先端にいるのですが、生産量も消費量も減っていて、食文化も衰退傾向です。気づいたらまた海外から逆輸入されるなんてことになりかねないので、オールジャパンで海藻産業を進化させて、世界に広げていくような立場を目指したいですね」

消費者の意識改革も必要だろう。

「レストランに加えて、百貨店やコンビニを通して、海藻の多様な使い方は徐々に消費者の中に浸透し始めているとは思います。課題は魅力的なメニューを開発して、従来の和食だけではない海藻の使い方を広めていくことです。
海藻がカラダに良いことは、日本人のほとんどが知っている事実だと思うのです。さらに一歩進めて、『食べれば食べるほど海の環境が良くなる』という共通認識ができて、そうした好循環が実現できることを期待しています」

シーベジスタンド
SEAVEGE- Kitchen Lab

東京都中央区八重洲1-5-11

「あさま空山望 presents 愛犬と楽しむ紅葉コンサート」を2日間限定開催

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北軽井沢のヴィラリゾート「あさま空山望（くうざんぼう）」では、愛犬家のヴァイオリニスト・荒井桃子さんらによる「あさま空山望 presents 愛犬と楽しむ紅葉コンサート」を、2026年10月17日（土）、18日（日）の2日間限定で開催する。

4回目を迎える今年のコンサートでは、クラシックの名曲「子犬のワルツ」やハロウィンにちなんだ楽曲など、多彩なジャンルの音楽を演奏。さらに、撮影会やドッグマッサージ、ドッグヨガなど、音楽とともに、愛犬との心地よいひとときを過ごせる特別な2日間となる。

17日・18日開催の「森のハロウィン愛犬撮影会」は、秋色の花やパンプキンを飾ったハロウィン仕様の特別な撮影ブースが用意され、プロのフォトグラファーによる撮影で、愛犬との思い出を写真に残すことができる。

17日開催の「森の北欧ドッグマッサージ体験」は、北欧のアニマルケアマッサージをもとに開発されたドッグマッサージ。わんちゃんの骨格や筋肉に配慮し、手技のみのやさしい力で、血行促進や緊張の緩和、健康維持をサポートする。

このほか、「森のドッグヨガ体験」や「森のノーズワーク体験」、「森のミニマルシェ・ドッグラン一般開放」など、わんちゃんと楽しめるさまざまな体験イベントを実施する。

あなたも秋の軽井沢で愛犬との癒しのひとときを楽しんでみてはいかが。

◆あさま空山望 presents 愛犬と楽しむ紅葉コンサート
【開催日時】①2026年10月17日(土) 夕方公演　16:00開場　（16:30 開演）
　　　　　　②2026年10月18日(日) 昼公演　11:00開場　（11:30 開演）
【会場】あさま空山望内レストラン「天空柁(ダ)イニング」テラス
【予約方法】専用リンクより事前予約
※体験コンテンツなど詳細は専用予約リンクを要確認

松本市のライフスタイル・ストア「LABORATORIO」がリニューアルオープン

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長野県松本市のライフスタイル・ストア「LABORATORIO（ラボラトリオ）」がリニューアルオープン。1933年に建てられた歴史ある元薬局の建物を改装し、これまで市内の数カ所で展開していた店舗を集約して、新たに営業をスタートした。

1階の「MARKT（マルクト）」は、“食のクラフト”をコンセプトに、県内各地からセレクトした安心で美味しい食材やお酒、器や雑貨を扱うショップ。ポップアップイベントも随時開催していく。

2階の「LABORATORIO CAFE」では、創業以来人気のイングリッシュ・マフィンやスープなどの軽食、スペシャリティ・コーヒー、紅茶、信州のハーブティやジュース、スイーツを提供。パンやスイーツは、すべて店内のオーブンで毎日焼き上げる自家製のものだ。

また、今回のリニューアルに合わせ、同じ2階のフロアに新しく「IFUJI Matsumoto」もオープン。松本と穂高にある工房で作られた新しい木工製品がいち早く店頭に並べられる。

あなたも松本でゆったりと心地良い空間を楽しんでみてはいかが。

◆LABORATORIO（ラボラトリオ）
【住所】長野県松本市大手1-3-29　JR松本駅より徒歩8分
【定休日】火曜日、水曜日（秋以降は火曜日のみの予定）年末年始
【営業時間】1階10:00 – 18:00　2階カフェ11:00 – 18:00　
2階IFUJI12:00～17:00
※詳細は公式サイトを要確認

「青森屋 by 星野リゾート」で体感する、祭りの熱狂と温泉の静けさ。 青森を体感する旅

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夜の街を、巨大なねぶたが進んでいく。

闇のなかに鮮やかな色彩が浮かび上がり、勇壮な表情をたたえた人形ねぶたが近づいてくる。「ラッセラー、ラッセラー」の掛け声に囃子の音が重なり、その後ろでは跳人（はねと）たちが力いっぱい跳ね踊る。

青森ねぶた祭を実際に目にして、まず感じたのは、「祭りを見る」という言葉では収まりきらないほどのエネルギーだった。

青森ねぶた祭は、毎年8月2日から7日に開催される。今回は、まさに祭りの真っただ中に青森を訪れる機会を得た。新幹線も飛行機もほぼ満席。全国から多くの人がこの祭りを目指してやって来ることを、青森へ向かう道中から実感した。

そんな旅の拠点となったのが、青森県三沢市にある「青森屋 by 星野リゾート」だ。

「のれそれ（青森の方言で“目一杯”の意味）青森～ひとものがたり～」をコンセプトに、祭りや方言、温泉、食、工芸など、青森の文化を滞在しながら体験できる温泉宿である。

22万坪の雄大な敷地を歩き、青森の景色を堪能する

東京から「青森屋 by 星野リゾート」へは、東北新幹線で八戸方面へ向かい、青い森鉄道に乗り換えて三沢駅へ。飛行機なら羽田空港から三沢空港へ向かい、空港から送迎バスで約20分だ。

到着してまず驚かされるのが、そのスケールである。

敷地面積は約22万坪。緑豊かな敷地の中央には大きな池があり、その近くには馬やポニーがいる牧場まである。館内だけで過ごすホテルというより、自然に囲まれた大きな公園のなかに泊まるような感覚に近い。

宿泊棟は本館・西館・東館の3棟、客室は全236室。温泉に入って終わりではなく、広い敷地や館内を歩きながら、さまざまな青森文化に出会える仕掛けがいくつも用意されている。

その中心となるのが、本館1階の「じゃわめぐ広場」だ。「じゃわめぐ」とは、青森の方言で「心が騒ぐ、ワクワクする」という意味。
エレベーターを降りると目の前に「五所川原立佞<wbr />武多『かぐや』」が現れ、さっそく心がじゃわめぎ始める。

ほかにも「ヨッテマレ酒場」や「じゃわめぐ売店」「うるほひ横丁」などがあり、まるで昔ながらの祭りの縁日に迷い込んだような賑わいだ。食事をしたり、買い物をしたり、写真を撮ったり、一杯飲んだり・・・それぞれの楽しみ方ができる空間になっている。

ホテル内には多くの方言が使われた場所があり、またスタッフの方々の方言で話すのが聞こえてくる。青森の文化である方言を敢えてお客様に触れてもらう、これもおもてなしになっているのだ。

じゃわめぐ広場と西館をつなぐ通路は、季節によってしつらえが変わる。

私が訪れた夏には、約300個の金魚ねぷたが彩る「しがっこ金魚まつり」や「金魚ねぷた灯籠回廊」などが登場。9月から11月には、約300個のりんご灯籠が並ぶ「りんご灯篭回廊」へと姿を変える。

思わず足を止め、写真に収めたくなる。季節を変えてまた訪れたくなるのも、青森屋の楽しさのひとつだ。

わずか一室。「ねぶたの世界」に泊まる特別な客室

次に気になるのは、やはり客室だ。

青森屋には、わずか一室だけの特別室「青森ねぶたの間」がある。写真では見たことがあったが、今回は特別に室内を見学させてもらった。

扉を開けた瞬間、思わず「これはすごい」と声が出る。

玄関で迎えてくれるのは、高さ約2メートルの「田村麿と妙見宮の鬼面」。さらに主室へ進むと、「東北の雄 阿弖流為」を表現した立体ねぶたが圧倒的な存在感を放っている。

第7代ねぶた名人・竹浪比呂央氏の協力によって制作された造形は、単なる客室装飾というより、部屋全体がひとつの作品のようだ。

しかも、その仕掛けは目立つ場所だけにとどまらない。

洗面台や浴室の桶など、何気なく使う場所にもねぶたのモチーフが潜み、インターホンからは「ラッセラー、ラッセラー」という祭りの掛け声まで聞こえてくる。

どこを見ても、ねぶた、ねぶた、ねぶた。

わずか一室だけに予約のハードルは高そうだが、この圧倒的な迫力に包まれて過ごす一夜は、忘れられない思い出になるに違いない。

これだけ賑やかな空間で、果たしてぐっすり眠れるのだろうか。そんなことまで少し気になってしまう。

2026年誕生。「ほっこりんご和室」に見る、もうひとつの青森

2026年にリニューアルして誕生したのが、りんごをモチーフにした「ほっこりんご和室」である。

りんごのアーチやクッションなど、まず目に飛び込んでくるのは、思わず写真に収めたくなる愛らしいデザインだ。

けれど、この部屋の魅力は、「青森といえば、りんご」という分かりやすさだけではない。

たとえば、室内に置かれたりんごのオブジェには、豪雪によって折れてしまったりんごの木が使われている。また、木片や皮などを漉き込んだ「りんご和紙」も室内に取り入れられている。

雪国でりんごを育てること。豪雪とともに暮らすこと。そして、本来なら捨てられてしまう木を、新たな形で生かしていくこと。

そうした土地ならではの自然環境やりんご産業の背景を知ると、愛らしい客室の見え方も少し変わってくる。

青森文化との出会いは、客室だけではない。

館内を歩いていると、「BUNACO」や「津軽金山焼」といった青森の工芸が、ごく自然に目に入ってくる。展示品として並べられているのではなく、照明や器、インテリアとして実際の空間に溶け込んでいるのだ。

「あ、この照明も青森のものだったんだ」。

そんな小さな発見をきっかけに、土地の工芸へ興味を広げていくのも、旅の楽しみ方のひとつだ。

忘れられない、しっとりとした湯の心地よさ

青森屋を訪れたら、時間を取ってゆっくり楽しみたいのが、自家源泉の温泉だ。

内湯は天井や壁、浴槽に青森ヒバがふんだんに使われ、足を踏み入れた瞬間から清々しい木の香りに包まれる。

泉質はアルカリ性単純温泉。湯に身体を沈めると、肌を包み込むようなやわらかな感触があり、湯上がりにも、しっとりとした心地よさが残る。

露天風呂には「浮湯」という名がつけられている。その名の通り、まるで池の上に浮かびながら湯に浸かっているような開放感がある。

冬（12月〜2月）には、ねぶたの山車と、ゲストが願い事を書いた小灯籠が浮湯の周りの池に浮かび、この時期にしか見られない幻想的な景色が広がる。その光景を想像しただけで、今度は雪の季節に訪れてみたくなる。

原稿を書いている今も、あのやわらかな湯の感触を思い出すと、もう一度浸かりたいという気持ちが湧いてくる。

それほど、印象に残る温泉だった。

青森には、朝早くから湯に入る文化もあるという。

前夜の賑やかさが嘘のように静かな朝。やわらかな朝の光のなかで入る温泉には、夜とはまた違う心地よさがある。宿泊するなら、ぜひ朝風呂も楽しみたい。ホテルから歩いて10分ほどのところには、宿泊者以外も利用できる「元湯」がある。時間に余裕があれば、温泉のはしごをしてみるのもいい。

祭りの熱気をサウナで味わう「青森ねぶたサウナ」

もうひとつ見逃せないのが、「青森ねぶたサウナ」である。

青森ヒバを使用した香り豊かなサウナ室。その正面に設えられているのは、第7代ねぶた名人・竹浪比呂央氏が主宰する「竹浪比呂央ねぶた研究所」が制作した、「龍王」を題材とするねぶただ。

サウナのなかにまでねぶたがあることに、まず驚かされる。

さらに室内には祭囃子が流れ、その盛り上がりに合わせてオートロウリュが行われる。

熱気に包まれながら、目の前には迫力あるねぶた。

静かに“ととのう”サウナとはひと味違う、青森屋ならではの高揚感がある。サウナ室の前には、地下水を汲み上げた水風呂も用意されている。

祭りの熱気をサウナで表現してしまうあたりも、なんとも粋である。

湯上がりのお楽しみは、蛇口から注ぐりんごジュース

温泉から上がったあとも、ここだけの青森体験は続く。

じゃわめぐ広場にあるのが、りんごの木に設えられた「りんごジュースが出る蛇口」だ。蛇口をひねると、4種類のりんごをブレンドした冷たいりんごジュースが注がれる。

「蛇口からジュースが出てきたら」。

そんな子どもの頃の夢をそのまま形にしたような演出に、大人でもちょっと嬉しくなってしまう。

温泉で火照った身体に、冷たいりんごジュース。

こんな何気ないひとときにも、青森らしさがしっかりと詰まっている。

夜は「みちのく祭りや」へ。青森四大祭りの熱気を体感

夜になったら、「みちのく祭りや」へ出かけてほしい。

ここでは、五所川原立佞武多、弘前ねぷたまつり、八戸三社大祭、青森ねぶた祭という、青森を代表する4つの祭りを題材にしたオリジナルショーが繰り広げられる。

会場には6名のねぶた師が手掛けた作品が並び、映像や照明、囃子とともに祭りの世界を体感できる。座席は予約制なので、滞在が決まったら早めに予定へ組み込んでおきたい。

そして驚かされたのが、舞台に立つ演者が、日中は調理や客室など、それぞれの仕事を担う青森屋のスタッフだということ。

普段の仕事をしながら練習を重ね、夜になると演者として舞台に立つ。

だからこそ、単なるエンターテインメントとは少し違う熱量を感じるのかもしれない。

聞けば、青森出身のスタッフも多く、自分たちの土地の文化を、自分たち自身で伝えていきたいという思いがあるそうだ。

館内で聞こえてくる方言も含め、青森屋ではスタッフ自身が青森文化の伝え手になっている。

ショーの最後には観客も参加し、会場全体がひとつになって盛り上がる。

青森の祭りを実際に訪れることができない季節でも、その熱気の一端を感じられるはずだ。

※2027年4月より、16時30分〜17時30分に公演時間が変更になる。

本物の青森ねぶた祭へ。宿で知った文化がつながる瞬間

今回の滞在では、「青森屋 by 星野リゾート」が用意する「青森ねぶた祭観覧バスツアー」に参加し、祭りの会場へ向かった。

到着すると、沿道にはすでに多くの人が座り、祭りのスタートを今か今かと待ちわびている。

やがて遠くから、夜の闇に浮かび上がる巨大な人形ねぶたが見えてきた。

近づくにつれ、細部まで描き込まれた鮮やかな色彩や、立体的な身体の動きがはっきりと見えてくる。

「ラッセラー、ラッセラー」。

掛け声と囃子が響き、跳人たちが跳ねる。

その熱気に押されるように、沿道の観客からも「ラッセラー、ラッセラー」と声が上がる。

映像で見ていた祭りからは想像できなかったほどの迫力と一体感だ。

私自身、青森ねぶた祭を体験するのは今回が初めてだった。

これほどまでに会場全体がひとつになり、人の心を高揚させる祭りがあるのか。

久しぶりに夏祭りの熱気に身を置いたことで、どこか忘れていた日本の夏の記憶まで呼び起こされたような気がした。

人生で一度は見てほしい祭りだ、と言い切りたくなる。

そして、祭りを終えてホテルへ戻ったとき、館内にあるねぶたの意匠も、「ねぶたの間」も、サウナの「龍王」も、「みちのく祭りや」で感じたスタッフの熱気も。本物の祭りを知ったあとでは、それまでとは少し違って見えるのだ。

宿で文化に触れ、本物の祭りへ出かけ、再び宿へ戻る。
ホテルの空間も、ねぶた祭体験も全てが一つにつながり、青森という場所を丸ごと体験したような気持ちにすらなった。

朝食は、青森屋 by 星野リゾートの「のれそれ食堂」でいただく。朝夕ともにブッフェスタイルで、豊富な海産物が並び、思わず笑みがこぼれる。帆立ラーメンに、刺身をのせたごはん、新鮮な野菜の蒸し物など、朝から食欲が止まらない。

ホテルをチェックアウトしたあとは、元湯であの素晴らしい湯をもう一度楽しみ、帰途に着いた。

東京へ戻ってからも、青森で見た景色や祭りの音、温泉の心地よさは鮮明に残っている。

そして気づけば、次は青森のどこを旅しようかと考えている。

「奥入瀬渓流ホテル by 星野リゾート」で森と渓流の静けさに身を置くのもいい。「界 津軽」に滞在しながら、また違う青森の文化に触れる旅もしてみたい。

一度の旅が、次の青森への旅につながっていく。

「青森屋 by 星野リゾート」は、青森を楽しむ目的地であると同時に、もっとこの土地を知りたくなる入口でもあった。

青森屋 by 星野リゾート

青森県三沢市字古間木山56