「一枚の布」から未来を切り拓く
A-POC ABLE ISSEY MIYAKEへ、高まる世界からの期待

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A-POC ABLE ISSEY MIYAKE（以下、A-POC ABLE）は、コロナ禍の2021年に誕生したイッセイ ミヤケのブランドだ。美しい服を生み出すだけのブランドではない。伝統の素材や職人技を受け継ぐ産地、変形素材やコンピューターアルゴリズムを扱う研究者やスタートアップ、第一線のアーティストから若手クリエイターまで——分野の異なる企業や個人との協業を重ね、これまでにない服作りのあり方を次々と生み出し、日本発のデザインの発想を世界へ届けている。「PREMIUM JAPAN AWARD 2026」では、同ブランドが手がけてきた数々のプロジェクトの革新性と、日本のものづくりの地平を広げてきた貢献。その両面を評価し、同賞を贈ることとした。

熱を加えると、一枚の布が自ら立ち上がる

平らな一枚の布に、高温の蒸気を当てる。すると、布が自ら折れ、ふくらみ、やがて身体を包む立体へと変形していく。まるで布そのものが、これからなるべき形を記憶していたかのようだ。これは魔法ではない。イッセイ ミヤケのブランド「A-POC ABLE ISSEY MIYAKE」（以下、A-POC ABLE）が得意とするスチームストレッチという技術だ。
同ブランドは、2023年、この技術を軸に、Nature Architectsと協業し「一枚の布」が変形し立体的なジャケットやワンピースになる「TYPE-V Nature Architects project」を発表し世界的に話題となった（2025年には同技術で作ったブルゾンを製品化）。
イッセイ ミヤケが1970年代から追い続けてきた「一枚の布」の理想が、一段進化した。

最先端の服作りを手掛けながら、もう一方では17世紀に京都で生まれた友禅染の系譜を受け継ぐ手捺染（てなっせん）の技で現代美術家、宮島達男さんの作品を描いたブルゾンを作り、京都市京セラ美術館で展示もしている。最近ではコペンハーゲンのデザインイベントで、布とワイヤーで作った光を纏う照明を出品し大きな話題をさらった。 テクノロジー、伝統の職人技、一次産業、現代アートとA-POC ABLEの活動領域は縦横無尽だ。

産業革命後、大量生産されるようになった西洋の服作りが日本にも広まり定着したのは20世紀になってから。A-POC ABLEは、それが服作りの唯一の答えでも、最終形でもないと世界に示すように、日本各地に眠る素材、技術、アーティストの想像力を見つけ出し、それまで交わらなかった点と点を「一枚の布」という概念の上でつないで、世界に届くプロダクトに変えてきた。

A-POC ABLEとプロジェクトを共にすることで、協業先とイッセイ ミヤケが手を携えて世界に羽ばたいてきた。Premium Japan Awardでは、こうした前例のないチャレンジや協業したクリエイターたちと高め合う姿勢の両方を評価して、2021年に誕生したこのブランドに賞を贈ることにした。これまでの取り組みにブランドを率いるデザイナーの宮前義之さんに話を聞いた。

A-POC――服づくりの工程そのものをデザインする

A-POC ABLEを理解するには、まずA-POCの話から始めなくてはならない。
A-POCは「A Piece Of Cloth」の頭文字、すなわち「一枚の布」のことだ。通常の服は、生地を選ぶところから始まり、その布をデザイナーが設計した服のパーツの形に裁断して、縫い合わせていく。これに対してA-POCでは、あらかじめコンピューターに服のパーツの形、柄、構造、例えば熱で収縮する糸をどこに使うかなどの設計図を先にプログラムしておき、コンピューター制御で布を作るところから始まる。
できあがった布にはあらかじめ服のパーツが切り取りやすい形で織り込まれているので、あとはそれを切り出して、プラモデルのように組み合わせていくことで服が作れる。
1998年、三宅一生さんが藤原大さんと共にコレクションとして発表するや、服のシルエットだけではなく、製造のプロセスそのものを変える画期的な服づくりの技術として大きなニュースとなり、その後、ニューヨーク近代美術館（MoMA）やメトロポリタン美術館にも永久収蔵された。

このA-POCの登場は、当時、アパレルデザインを学び、これから服作りの仕事をしようと考えていた宮前さんにとっても衝撃的な事件だったという。
「今まで自分が学んできたことは何だったんだろう、と思うくらいショックでした。でも同時に、すごくワクワクしたんです」
1998年と言えば、インターネットの普及が始まり、アップルが最初のiMacを発表した年。コンピューターが生活へ入り始めたタイミングで、服づくりもテクノロジーとつながり、新しい時代が幕開いた。その中心にA-POCがあったと、宮前さんは振り返る。

「用意された生地」から始めない

３年後の2001年、イッセイ ミヤケ入社を決心した宮前さんが最初に任されたのが、このA-POCのブランドだった。
繊維産業は長い分業の連鎖で成り立ち、一般的なデザイナーは、出来上がった生地を選ぶところから仕事を始めることが多い。しかしA-POCの現場では、デザイナー自身がもっと制作工程の上流へ入り込んでいく。なぜこの糸なのか。なぜこの織り方なのか。この工程は本当に必要なのか。別の方法はないのか。工場や職人と直接対話しながら、工程を分解し、もう一度組み立て直す。宮前さんはそこで繊維の知識を徹底的に叩き込まれた。
同時に、日本のものづくりの現実も見てきた。繊維産業は縮小してきたが、各地には高度な技術を持つ職人や工場が残り、顔を合わせて試作と改善を重ねられる距離感もある。これを日本の弱さではなく、まだ活かし切れていない強さだと見るようになった、と宮前さんは語る。

2012年春夏から2019年秋冬まで、宮前はISSEY MIYAKEのデザイナーとしてパリ・コレクションブランドを率いた。半年ごとに大きなテーマを構築し、服を作り、世界に発表する。デザイナーとしてこれ以上ない濃密な経験である。一方で、続けるほどに、ある種のもどかしさも膨らんだ。本当に新しいものは、半年で生まれるのだろうか。もちろん、既存の素材や技術を編集して新しいイメージを提示することはできる。

しかし、産地の作り手と工程から見直すこと、専門領域の研究者と未知の技術を育てることには、もっと長い時間が必要だ。 三宅一生さんとも、そんな話を重ねた。イッセイ ミヤケの服作りで度々、使われてきたA-POCの技術だが、三宅さんはこの技術はまだ完成しておらず、時代が変わろうとする今だからこそ、もう一度発展させるべきだと思っていた。

こうして2020年、横尾忠則さんとのプロジェクト「TADANORI YOKOO ISSEY MIYAKE」が始動する。横尾さんの複雑な絵の世界を、布の上にプリントするのではなく、限られた色の糸を組み合わせて織りで表現したプロジェクトだ。印刷したのではなく、織りで表現しているため、裏地を見ると、まるで絵のネガフィルムのような不思議な表情が現れる。
できあがった服を見た横尾忠則さんも、三宅一生さんも大変満足し、宮前さんもこの体験でA-POCをもう一度発展させられる感触を得たという。こうして宮前さんは2021年、チームを作ってA-POC ABLE ISSEY MIYAKEという新しいブランドを始動させることになった。

「ABLE」は可能性を示す言葉。実際、ブランドの活動はファッションの領域を越え、アーティスト、素材メーカー、デザイナー、研究者、音楽家、建築家へと広がっている。
「最近は一言で何をやっているのか説明するのが難しい」と宮前は笑う。だが、軸はぶれていない。常に「一枚の布」から考えること。そして、作り手と受け手の関係を広げること。そのシンプルな原点があるからこそ、領域はいくらでも広がっていく。

アートが技術を要求し、技術がアートを刺激する

A-POC ABLEは、この５年間、さまざまなアーティストやクリエイターと協業をしてきた。

宮前さんは、アートは美術館の壁だけではなく、もっと日常的な場にもあるべきものだと考えている。服なら身体に最も近い場所で毎日触れられ、着ることで気分や意識も変わる。アートの力を借りて、日常の感覚を少し押し広げられるのではないか。
横尾忠則さんの後にも、現代美術家の宮島達男さん、デザイナーの狩野佑真さん、グラフィックデザイナーの小林一毅さん、写真家の西野壮平さん、写真家の梅本健太さん、グラフィックデザイナー／クリエイティブディレクターの花原正基さん、東京都現代美術館での個展で一躍有名になった現代美術家・寒川裕人 / ユージーン・スタジオさんなどさまざまなクリエイターと協業を行ってきた。
最新のプロジェクトの１つが現代美術家・松山智一さんとの「TYPE-XII Tomokazu Matsuyama project」で、2026年夏、ニューヨークでも大々的に披露され好評を得た。

このようにA-POC ABLEは、最新のテクノロジーとも協業し、アーティストとも協業する。宮前さんは、アートとテクノロジーの関係を「振り子」のようだと表現する。高い表現を目指すアーティストと向き合えば、これまでの技術では足りなくなる。もっとできないか、という要求が研究を前へ進める。逆に、新しい技術と出会えば、それまで思いつかなかった表現が見えてくる。アートだけでも、テクノロジーだけでもない。その往復運動の中に、A-POC ABLEの創造がある。

アルゴリズムと職人技が、一枚の布で出会う

テクノロジー企業との協業で最も象徴的なのが、冒頭でも触れたNature Architectsとのプロジェクトだ。Nature Architectsは、東京大学での折紙工学研究の知見を発展させ、変形する素材（メタマテリアル）でもものを作る技術を開発している。
メタマテリアルで作りたいものの形を入力すると、そこから逆算して、設計図を作ってくれる。イッセイ ミヤケには特殊な糸を使って布を織り、蒸気を当てて変形させるスチームストレッチという独自のメタマテリアルの技術があったが、さまざまな立体状を折りの設計図に転換するためには、膨大な計算や折紙工学に基づいたシュミレーションが必要となり、人間の頭で考えて設計するには限界があった。
Nature Architectsによる折り紙の設計技術と出会ったことで、「一枚の布」をジャケットのような複雑な立体形状に変形させることが可能になった。この技術はミラノデザインウィークで発表されて以後、世界のデザイン雑誌やコンピューター関連の学会で紹介され、Nature Architectsの名を世界に広めた。

他にも、東京大学大学院の研究グループと富士フイルムが開発した変形するフィルム素材でアクセサリーを作るプロジェクトや、テキスタイルの廃棄を減らすアルゴリズムを持つデザインラボラトリーのSynflux（シンフラックス）とのプロジェクトなども進めている。

宮前さんは、こうした先端テクノロジーのプロジェクトを自動車レースのF1にたとえる。限界まで性能を追い込み、新しいエンジンを作るような研究。一方で、それだけでは事業は続かない。そこで磨いた技術を、街中を快適に走る乗用車のような日常のプロダクトへ還元していく必要がある。研究と商品開発。尖った実験と安定した生産。その両輪を回すことが、工場の機械を継続的に動かし、日本のものづくりを次へつなぐことにもなる。

米の籾殻が、演奏家の「特別な黒」になる

A-POC ABLEが模索し挑戦しているのは服作りの技術だけではない。
日本の一次産業と深く結びついた素材に関する取り組みも多い。宮前さんが特に熱心に取り組んでいるのが、高知県土佐市で和紙を作るメーカー、三彩と協業したプロジェクト「TYPE-Ⅶ Kouzoshi project」だ。
土佐地方で作られる楮（こうぞ）。この素材で作られた和紙は繊維が長く強靱で、世界的な文化財修復などにも使用されている希少な和紙。三彩は、この日本が誇る貴重な原料を途絶えさせないように衣服という日常的に触れるものに使ってもらうべく、この楮から糸を作り、A-POC ABLEがそれを布に起こしプロダクトを作った。
決して簡単ではない楮からの糸作りだが、三彩が専用の機械を作り、和紙らしい風合いや柔らかさ、ハリと言った特徴をどのように出すかをA-POC ABLEのチームと議論を重ねながら形にしていった。産地を“素材提供者”として捉えるのではなく、作り手と一緒に価値の見せ方までを考えるA-POC ABLEのチームの姿勢がよく現れたプロジェクトでもある。

長い分業の歴史の中では、高度な技術を持つ職人でさえ、自分の仕事が最終的に何になったのかを知らないことがある。
工程のブラックボックス化は、時に新しい発想を阻む壁にもなる。だからA-POC ABLEのチームは協業者と膨大な議論を重ねる。
なぜこの布が必要なのか。どんな服を作りたいのか。完成後には展示を見てもらう。
自分の技術が最終的にどう人の身体を包み、どう評価されたのか。すると作り手からも、「次はこうしてみよう」という提案が返ってくる。イノベーションとは、新しい機械を導入することだけではない。分断された人と工程を、もう一度つなぎ直すことでもあり、A-POC ABLEは服飾業界において、これを最も真摯に行っているブランドの１つだろう。

素材に関わる取り組みでもう１つ面白いのが、ソニーグループが開発したトリポーラス（Triporous™）を使ったプロジェクトだ。
これは米の籾殻を原料とする多孔質カーボン素材で、A-POC ABLEはそれを糸に練り込み、色落ちがしにくい独特の深い黒を持つ衣服へ展開してきた。やがて、このプロジェクトが宮前さんの頭の中で、三宅一生さんから投げかけられた別の課題に重なった。
「クラシックの演奏家たちは、なぜあれほど身体を大きく動かすのに、窮屈そうな正装で演奏しているのだろう。もっと自由に動け、美しく、音楽の場にふさわしい服は作れないのか」というものだ。 これが指揮者・井上道義さんとの協業へつながり、「TYPE-I MM project」が生まれた。
トリポーラスを練り込んだ黒い生地にスチームストレッチを組み合わせ、指揮者や演奏家の身体を心地よく包みながら、正装としての端正さを保つ衣服づくりだ。プロジェクトの工程は、演奏とものづくりを重ね合わせたドキュメンタリー映像として記録された。

小さなチームだからできる、終着点を決めないデザイン

このようにA-POC ABLEでは素材の選び方から、衣服の設計、製造工程、仕上げの工程、さらには服の目的に至るまで服作りのすべての工程を見直し、新たなチャレンジを重ねている。
最近では、そのデザインのプロセスを服作り以外にも広げ始めた。スイスのデザインスタジオatelier oïと進めた「TYPE-XIII Atelier Oï project」——「一枚の布」と「一本のワイヤー」でできた照明で、技術面では日本を代表するポータブル照明メーカーのAmbientecが協力している。スチームストレッチの布によるシェードは交換が可能で、花を生けるように光の表情を変えられる。服から始まった技術が、暮らしの空間へ広がりつつある。
取り組みは商品にとどまらない。店舗やそこで使う什器、マネキンなども環境に配慮した形でデザインをしている。特に革新的なのは修正や補修がしやすくリサイクルもしやすい３Dプリンターで作ったMagnaRecta（マグナレクタ）という会社と作ったマネキンで、３Dプリンターを使った特殊な製法で壊れてもすぐに修復ができたり、リサイクルがしやすかったりといった特徴がある。
こうした服作り以外のプロジェクトも含め、協業した各社との取り組みは、「ダイアローグ」としてA-POC ABLEのブランドのホームページで日英中の三言語で丁寧に紹介している。
宮前さんの話を聞いていると、決して本人が前へ出て強烈な作家性を押し出すタイプではないことに気がつく。彼がむしろ目を輝かせるのは、自分が知らなかった技術や、誰かの研究について話す時だ。

「知らないことを知るのは楽しい」。その素朴な好奇心が、活動を広げる最大のエンジンに見える。最初はファッションに興味のなかった研究者が、会ううちに服を着ることを楽しみ始めることもあるという。逆にA-POC ABLE側は、彼らの専門領域から世界の見方を教わる。
協業とは、互いの好奇心が感染していくプロセスのようだ。現在のA-POC ABLEは、企業の中にありながら、小さなベンチャーのようなチームで動く。判断が速く、右へ行くか左へ行くかをその場で決められる。その身軽さを宮前さんは大切にしている。
デザインミーティングでも、最初から「ジャケットを作る」「バッグを作る」とゴールを決めない。紙を折る。四角いものを畳む。形を反転させる。素材を変える。そこから「これは服になるかもしれない」「逆さにしたらバッグかもしれない」「将来は建築に使えるかもしれない」と可能性を広げていく。

日本のものづくりを「過去」ではなく「未来」として見せる

海外での反応を尋ねると、宮前さんはまず三宅一生さんという存在の大きさを口にした。その土台の上で活動できることへの敬意と自覚が、言葉の端々にある。
海外の展示会ではワークショップも行う。完成品を見るだけでなく、布に触れ、変化を体験してもらうと、子どもから年配者までが集まる。デジタルで何でも見られる時代だからこそ、目の前で形が変わる実感が人の心を動かす、と言う。
宮前さんは、海外で日本のものづくりへの関心が高まっていることも感じているという。だが、それを「日本はすごい」と内向きに称揚するだけでは意味がない。重要なのは、まだ知られていない技術や人を見つけ、現代の価値へ翻訳し、実物を持って世界へ出て、直接対話することだと言う。 A-POC ABLEには近年、世界中の企業から「こんなことはできないか」との相談が届くようになったらしい。半ば『ものづくりの悩み相談室』のようだ、と宮前さんは笑う。
その言葉は、このブランドの現在地をよく表している。 A-POC ABLEは、日本の優れたものを並べるショーケースではない。古い技術と新しい技術、手仕事とアルゴリズム、アートと産業。その間の壁を低くし、「一枚の布」をコンセプトにしたプロジェクトやプロダクトに変えることで世界に発信するプラットフォームとして無視できない存在になってきている。
今回、Premium Japan Awardの受賞者として選出したのも、ファッションのブランドとして以上に、日本発の新しいものづくり文化を生み出すプラットフォームとしての可能性を評価してのことだ。

宮前義之　Yoshiyuki Miyamae

1976年東京生まれ。2001年 三宅デザイン事務所に入社し、三宅一生が率いたA-POCの企画チームに参加。その後ISSEY MIYAKEの企画チームに加わり、2011年から2019年までISSEY MIYAKEのデザイナーを務めた。2021年にスタートしたブランドA-POC ABLE ISSEY MIYAKEでは、エンジニアリングチームを率いて、A-POCの更なる研究開発に取り組む。

空間デザインは吉岡徳仁。南青山に誕生した、A-POC ABLEの発信拠点

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「A-POC ABLE ISSEY MIYAKE / AOYAMA」が移転オープン。場所は旧店舗と同じ、東京・南青山のフロム・ファースト・ビル1階。新店舗は3フロア構成へと拡張し、国内最大のA-POC ABLE ISSEY MIYAKE店舗として新たなスタートを切った。

三宅一生が1998年にスタートしたA-POCは、服づくりのプロセスを変革し、着る人も参加する新たなデザインのあり方を提案してきたブランドだ。その思想をダイナミックに発展させ、さまざまな「ABLE」を生み出すのが、A-POC ABLE ISSEY MIYAKE。新店舗は旗艦店であると同時に、最新のものづくりや多様なアイデア、人々のコミュニケーションが交差するプラットフォームとしての役割も担う。

空間デザインを手がけたのは、吉岡徳仁。白と黒を基調としたモノトーンの空間に、テクノロジーによる革新性と手仕事によって引き出される質感を取り入れ、A-POC ABLE ISSEY MIYAKEのものづくりの思想を落とし込んでいる。

新設されたギャラリー空間「A-POC SPACE」では、オープニング企画としてパリを拠点に活動する写真家・梅本健太による展覧会「PORTRAITS：HANDS」を開催。横尾忠則、名和晃平、ハリ・コスキネンをはじめ、さまざまな分野で活躍する23名のクリエイターたちの「手」の肖像が、ライトボックスを用いて展示される。

ファッションという領域を越え、新たな可能性を発信する場へ。進化を続けるA-POCを、南青山の新たな空間で体感してみてはいかがだろうか。

◆A-POC ABLE ISSEY MIYAKE / AOYAMA
【住所】東京都港区南青山5-3-10 FROM-1st
【営業時間】11:00～20:00

◆「PORTRAITS：HANDS」
【会期】開催中～2026年10月28日（水）
【会場】A-POC ABLE ISSEY MIYAKE / AOYAMA「A-POC SPACE」

© ISSEY MIYAKE INC.
Store design: TOKUJIN YOSHIOKA + TYD

「東京、焼きそば人生」の集大成 ベスト５はここだ！

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一口に「焼きそば」と言っても、中華風、中国風、和風醤油（塩）系、ソース系など様々ある。

今回は、筆者のこれまで東京で食べてきたあらゆる焼きそばの中から、ジャンルを問わず、「これは、旨えゾ！」と膝を打った間違いなしの５品をお届けする。「好又香」「香港贊記茶餐廳」「中国料理　梅林」「嘉賓」「中華　珍満」の５軒のそれ。

大袈裟に言うならば、ワシの「焼きそば人生」の集大成じゃ。

何度も紹介したが、
筆頭は「好又香」の「五目焼きそば」

トップバッターは石神井公園の大・大・大好きな町中華屋「好又香（コウユウカ）」なんだな。シェフは上海出身の中国人で本格的なシェフなので、厳密に言えば、町中華と呼ぶのは、ちと失礼かもね。すでに町中華と焼餃子の回で紹介しているが、確信をもって言っちゃうよ。この店の「五目（餡かけ）焼きそば」を超えるものはなかなかないゼ。

◆東京で一番通いたい町中華の名店「好又香」の巻はこちらをクリック

教えたくないけど教えたい！東京で 一番通いたい町中華の名店「好又香 （コウユウカ）」の巻 – Premium Japan

そもそもこの店は何を食っても間違いがない。「インゲン炒め」も「エビの塩炒め」も「黒酢豚」も「焼餃子」も絶品だ。

そして、締めも大いに迷うのである。中国醤油を使った「醤油炒飯」か、「五目（餡かけ）焼きそば」か、淡泊な傑作「鶏そば」、あるいは「上海焼きそば」かってことだ。

大人数で来た時には問題はない。締めは、迷うことなくこの４品を頼んでしまえるからだ（笑）。２～３人で来た時がいちばん辛い。散々食った後で、まー、「醤油炒飯」と「五目（餡かけ）焼きそば」の２品を頼んでしまうかもね。普通、〆は一品かもしれんが、あの旨さを知っていたら、とても欲求には勝てん（笑）。

さて、「五目焼きそば」であるが、麺は茹でたのが半分、炒めて焦げ目をつけたのが半分。やはり、決め手となるのは餡かけの出来栄えなのだ。具は、白菜、ネギ、豚肉、イカ、エビ、キクラゲ、シメジ、そんなとこか。何が素晴らしいかって、その醤油と旨味のバランスがこれ以上ないってことだ。そして、トロミの塩梅も見事なんだねえ。

焼きそばは、まるで汁気がないのも、汁気が多すぎてもダメだ。その程良いところで着地するのが技なのである。口に入れた瞬間、「うめッ！」となる。もちろん、酢をかけての味変もいい。ワシの脳内の「常に食いたいものリスト」の一画を占拠している品の一つと言える。東京のはずれなので、方向が違うとなかなかハードルが高いが、まー、一度は行ってみてほしい店じゃのお。

好又香　コウユウカ

東京都練馬区石神井公園７丁目1－3　Tビル2F
℡：03-6913-3225

営業時間：11：00～15：00、17：00～22：30
定休日：火曜日

五目焼きそば　1100円

黒酢豚　　　　1,650円
醤油炒飯　　　1,100円

ここは彼の国か？「香港贊記茶餐廳」の
「香港やきそば」を食うべし

「ホンコンチャンキーチャーチャンテン」と読む。

なにしろ筆者は骨の髄から香港の中国料理マニアで、食べるだけのために本当に何十回も行っておるんですわ。その中で愛してやまないのが、いわゆる「香港焼きそば」ってやつだ。

おそらく30年ぐらい前に、ザ・ペニンシュラ香港のメインダイニング「嘉麟楼（スプリングムーン）」で、飲茶の〆に一緒に卓を囲んだ香港人が頼んでくれた裏メニューを食べたのが初めての経験だ。それ以来、病みつきだべ。具材は黄ニラ、ニラ、モヤシのみ。そいつをニンニク、生姜、オイスターソース、チキンパウダー、中国醤油で、ちゃちゃっと炒める。軽さが身上の焼きそばだ。極めてシンプルであるから、炒めの技が如実に反映される。

これを食べられる店は東京では多くはないが、「香港贊記茶餐廳」のそれは、さすがにペニンシュラほどの軽さと洗練さはないものの、香港を想起させ、コーフンさせるものであることは間違いない。「茶餐廳（チャーチャンテン）」は、大衆屋台料理屋の「大牌檔（ダイパイドン）」が屋内に移って進化したものだ。焼きそばや炒飯、野菜料理、肉料理も多彩で、「ピーナッツバター＆練乳トースト」とか「コーヒーミルクティー」とか不思議なものもあるから面白い。名古屋の奇妙奇天烈な喫茶店メニューに通じるものがあるが、こっちの方がちゃんと旨いものになっている。

さて、この店の「香港風焼きそば」は、上の具材から黄ニラを抜いて玉ねぎを加えたもの。一食して、「おー、これよ、これよ」と嬉しくなる。具が少ないから、味付けの濃い玉子麺をガッツリと食う感じ。甘辛いんだが、味に奥行きがある。

いや～、旨いねえ。ワシワシといくらでも行ける感じ。近くにあれば、週に一度は通うな。

「季節野菜ガーリック炒め」も頼んでみたが、レタスの炒め具合がいい。味付けはニンニクがっつりで、上湯ととろみがたっぷりで良かった。さてこの店は、950円の激安ランチを目掛けて、周辺のサラリーマンと中国人で混みあう。昼時をはずしたほうがいいだろう。点心もフカヒレ料理も旨そうだから、晩ご飯に大勢で来て、あれこれ頼むのがいいと思う。

香港贊記茶餐廳

東京都千代田区飯田橋3-4-1　マンワイビル１F

℡：03-6261-3365

営業時間：11：30～23：00

定休日：なし

香港風焼きそば　1280円

季節野菜ガーリック炒め　1280円

「ソース焼きそば」の傑作と言えば
「中国料理　梅林」だろう

「ソース焼きそば」と言えば、すぐに名前が挙がる水道橋や高島平の店があるのだが、どちらも筆者にはピンと来ない。前者の麺は柔らかく、後者はあの揚げ焼きにした部分が固すぎる。味付けもともに、どうも小生の口には合わないのよね。その点、五反田「梅林」の「肉ソース焼きそば」はとても感覚に訴えるものがある。ちりちり麺は程よい硬さを保ち、太さも口に入れたときに実に心地よい。

具は、豚肉、キャベツ、玉ねぎだけ。豚肉は細切れだが、片栗粉を振ってあるから、ソースを吸っている。最も肝腎なのはソースの味付けだ。甘みと辛味のバランスが丁度いいのだ。そして、油は少なく、まったくくどくない。ゆえに、他店に比べると盛りはいいのだが、スルスルっと食えてしまうのだ。昼飯時には、客がひっきりなしに入ってくるが、８割ぐらいは「肉ソース焼きそば」を頼んでいる。若いお姉さんも迷うことなく、これを食べる。それほど軽さがあるという証拠だ。

中国料理　梅林

東京都品川区東五反田1-24-1

℡：03-50-5869-4815

営業時間：（月～金）11：00～15：00、17：00～22：00

（土・祝）11：00～15：00、17：00～21：00

定休日：日曜日

肉ソース焼きそば　1100円

創業40年の「嘉賓」の名物は
「牡蠣ソース和えそば」なのだ

昔からある店だ。経営者が一度変わったらしいが、創業40年。職場から近くにあったので、入社した39年前に先輩に連れていかれたのが最初だ。その時に「これは旨えんだぞ」と先輩が自慢気にオーダーしていたのが、この店の「牡蠣ソース和えそば」なのだ。開店から２年目にして、すでに名物になっていた。

具は少々のネギのみ。あとはストレートの細麺を生姜とオイスターソースで炒めただけ。シンプルこの上ない。香港焼きそばから具を取り除いたものと言ってよい。今回、この店で久しぶりに食べた。麺はやや黄色く、玉子が入っている伊府麺っぽい。オイスターソースはもちろん使っているが、旨味の元と中国醤油も使っているように思う。

具がほぼないだけに、麺をゾゾゾッとすする楽しみがある。２人で来ても、一杯じゃあ足りないな。以前、大食いの元プロ野球選手と来たことがあるのだが、三杯お代わりしていた。それには、さすがにたまげたが（笑）。エビチリとか酢豚とか焼き餃子とか他のメニューも、中国料理と中華料理の真ん中辺の味付けで、日本人には馴染むんだよね。夜は混むので予約必須で。

嘉賓

東京都新宿区四谷1-7　第３鹿倉ビル２F

℡：050-5869-4647

営業時間：（月～金）11：00～14：30、17：00～22：30

（土日・祝）11：00～14：30、17：00～22：00

牡蠣ソース和えそば　880円

これぞ町中華！「中華　珍満」の
「やきそば」はバランスのいい醤油味

最後に紹介するのは、これぞ町中華という店である。御徒町駅のすぐそばで、ド派手で巨大な看板がギラギラしているから、見逃す心配はない。この看板に対して、厨房で中華鍋を振るのはけっこうお年を召された方ばかり。まるでギラギラはしていないが、皆さん元気で楽しげだ。

何を食べても安いのに、安定した味を求めて、客はひっきりなしである。注文が入って、一品一品をその場で作り出す。どこぞのチャーハン有名店と違って、作り置きなんぞは意地でも出さないところがいい。何でもアツアツで出て来る。この店の名物の一つは、醤油味の「やきそば」なのである。他にも「カタやきそば」、「塩やきそば」（細麺）、「ソースやきそば」（細麺）とあるが、まずは醤油味を薦めたい。

麺は丸く太くプリッとしている。具は、キャベツ、モヤシ、豚肉、キクラゲ、玉ねぎ、ニラで、醤油の汁が皿の底にたっぷりだ。麺はツルツルなので、その汁を吸いこんでものびることがない。なんか、昭和の時代から慣れ親しんだ懐かしい味というのだろうかねえ。跳び上がるほど旨いってワケではないが、野菜の旨みと麺の小麦が醤油でまとめられていて、ジンワリと優しい。週に１回食べても飽きない感じ。

ちなみに、やや大振りの餃子も旨い。一個一個が引っ付いているところが気に入らないが、パリッと焼けてて味もいい。隣のおっさんが食っている、色の薄いチャーハンも旨そうだった。

中華　珍満

東京都台東区上野3-28-10

℡：03-3831-8801

営業時間：（月～日）11：30～20:45

やきそば　790円

餃子　680円

筆者プロフィール

食べ歩き歴40年超の食い道楽者・バッシー。日本国内はもちろんのこと、香港には自腹で定期的に中華を食べに行き、旨いもんのために、台湾、シンガポール、バンコク、ソウルにも出かける。某旅行誌編集長時代には、世界中、特にヨーロッパのミシュラン★付き店や、後のWorld Best50店を数多く訪ねる。「天香楼」（香港）の「蟹みそ餡かけ麺」を、食を愛するあらゆる人に食べさせたい。というか、この店の中華料理が世界一好き。別の洋物ベスト１を挙げれば、World Best50で１位になったことがあるスペイン・ジローナの「エル・セジェール・デ・カン・ロカ」。あ～、もう一度行ってみたいモンじゃのお。

和栗やシャインマスカットが彩る秋メニュー。10月限定のハロウィンバージョンも

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グランド ハイアット 東京１階のイタリアン カフェ「フィオレンティーナ」では、11月30日（月）まで、実りの季節を味わう「オータム アフタヌーンティー」を開催。10月には、ハローウィンの特別バージョンのスイーツが登場する。

開放的なテラス席を備えた「フィオレンティーナ」のアフタヌーンティー。和栗やシャインマスカット、洋梨、かぼちゃなど、旬の味覚をふんだんに取り入れたメニューがテーブルを彩る。

スイーツには、熊本県産の和栗を使い、栗本来のやさしい甘みを引き出した「モンテビアンコ ジャポネーゼ」をはじめ、みずみずしいシャインマスカットを贅沢にサンドしたショートケーキ、洋梨とキャラメルのムース、紫芋のロールケーキ、パンプキンプリンがラインナップ。

セイボリーは、トリュフを添えたきのこのフリッタータや、イチジクにゴルゴンゾーラと生ハムを合わせたクロスティーニ、栗のアランチーニなど、秋の食材とイタリア料理のエッセンスを掛け合わせた品々が揃う。

さらに、一般的なアフタヌーンティーのスコーンに代わって登場するのが、イタリアの伝統的なブレッド「パンドーロ」。卵とバターの豊かなコクを楽しめるプレーンと、角切りの栗を練り込んだ秋限定のマロンの2種類を、マスカルポーネチーズや洋梨ジャムとともに味わえる。

10月1日（木）から31日（土）までは、おばけモチーフのスイーツが並ぶ「ハロウィン アフタヌーンティー」に様変わり。モンスターをイメージしたパンプキンモンブラン シュークリームや、コウモリ型のチョコレートをあしらった紫芋ロールケーキなど、思わず写真に収めたくなるような遊び心あふれるスイーツが勢揃いする。

秋の恵みとイタリア料理の魅力が溶け合うアフタヌーンティー。都会の真ん中で、季節の移ろいを感じる優雅な午後を過ごしてみてはいかがだろうか。

◆オータム アフタヌーンティー
【期間】提供中～2026年9月30日（水）、11月1日（日）～11月30日（月）
【時間】15:00～17:00 ※2時間制
【料金】6,600円、スパークリングワイン1杯付き 8,580円
※税込、サービス料15％別

◆ハロウィン アフタヌーンティー
【期間】2026年10月1日（木）～10月31日（土）
【時間】15:00～17:00 ※2時間制
【料金】6,600円、スパークリングワイン1杯付き 8,580円
※税込、サービス料15％別

銀座・和光「四弁花 かぐわしⅡ　硝子・漆・金属・木」　　

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8月末にリニューアルオープンしたセイコーハウス６階 セイコーハウスホールで、「四弁花  かぐわしⅡ  硝子・漆・金属・木」が開催されています。4人の作家それぞれが、素材の持つ特性を活かしながら、独自の技法で手掛けた、およそ100点の作品が装いも新たになった会場を彩ります。展覧会名の「四弁花」を彷彿とさせるコラボレーション作品も登場。日本の伝統工芸として古くから用いられてきた素材や技法の進化形に出合うことができる展覧会です。

層をなす板ガラスが内包する、やさしい自然の光　　──硝子・小島有香子──

ガラスが光を含んでいる。その光が見る角度によって、濃さも色合いも細やかに変化していく。正確に言えば光は反射光。しかし、層をなしたガラスが外光を受け、それぞれ微妙な色調のグラデーションを作り、そのグラデーションが重なることにより、あたかもガラスそのものが光を内包しているかのようにやわらかく発光する。

小島有香子さんの作品に用いられている技法は「積層ガラス」。建築資材としてガラス窓などに使われている板ガラスを接着材で複数枚貼り重ねて削り、その断面を見せる手法だ。

「層となる断面の模様を予め想定し、デザイン画をおこしてから制作に取り掛かります。最初のうちは試行錯誤の連続でしたが、最近では出来上がりの状態を、ある程度予想できるようになりました。板ガラスのなかには、『熱線反射ガラス』と呼ばれる、熱を反射するように表面が金属でコーティングされているものがあります。そうしたガラスを使うと、ガラスとガラスの重なり目が、自ら発光するかのように、きらりと輝きます」

小島さんの言葉が物語るように、重なり目にシャープに走る光のラインが作品全体を引き締め、緊張感あるたたずまいへと高めていく。

幾何学的な構成の作品に漂う、理知的な雰囲気

幼いころからもの作りが好きだった小島さんは、迷わず美術系の大学に進んだ。そこで選択したのはガラス。吹きガラスをはじめ、研磨ガラスや積層ガラス、鋳造ガラスなど、さまざまなガラス技法を一通り学んだ。そうして選んだのが、積層ガラスだった。

「吹きガラスに比べると時間も手間もかかりますし、形や色の制限も生じてきます。でもその制限のなかであれこれ考えていくことに面白みがあります。精密な設計図を予め作成し、それに基づいて制作していく過程は幾何学的でもあり、もともと理数系が得意でしたから、自分にむいていたのかもしれません」

確かに、何層もの板ガラスが緻密かつ幾何学的に構成された作品は、理数系の世界を思わせるような理知的な雰囲気すら漂う。しかしその一方で、「時間と手間がかかる」と小島さんが言うように、完成にいたるまでの作業は膨大な時間を要する。

その大半は削るという作業に費やされる。幾時間もかけた研磨によって、ガラスは硬質な透明感を持ち、光を内包するかのように発光し始める。大きな作品の場合、最初は数十キロのガラスの塊。それをグラインダーで削り、その後に丹念に研磨し、最終的には半分以下の重さとなる。まさに時間と手間、そして体力が必要とされる作業だ。

「まさに力仕事です。でも、その力仕事を経て、自分の想定していた表情だけでなく、思いもよらなかった表情を作品が持ち、それが光となって現れたとき、作業の大変さは消え去っていきます」

会場に置かれた大きな作品は、光だけでなく、高貴なエネルギーをも発しているかのようだった。

乾漆が可能にする、どこまでも柔らかな曲線　　──漆・奥井美奈──

奥井美奈さんの作品は温かい。どこまでも優しく柔らかな曲線が、見る者をほっとさせてくれる。手法は乾漆。古くは奈良時代の仏像などにも用いられた、伝統的な漆の技法のひとつである。石膏で作った型に麻布を漆で貼り、厚みがついたら中の型を出し、ベースとなる胎を作り、そこに漆を塗り重ねていく。

「貼る布が木綿ですと、漆が繊維の中まで入りこみ過ぎて、乾くと割れてしまいます。麻布は漆が芯まで入り込まず、ちょうどよい塩梅で、柔軟性も生まれます。ですので、乾漆は古来より麻布を用います。これも先人の知恵なのでしょうね。乾漆は軽くて丈夫で、ある程度の衝撃にも耐えることができます」

作品のフォルムは、型を粘土や石膏で作るときに決まる。それだけ大切な初期作業だが、奥井さんはその工程が楽しいと言う。

「こちらを膨らませてみようか、ここを少し丸くしようかと、できあがりの姿を思い描きながら手を動かしていく過程は、とても楽しいものです。石膏を削りながら、型を仕上げていきます」

奥井さん自身が楽しみながら、自在にイメージを働かせることで、柔らかく流麗な曲線美が生まれる。

曲線の柔らかさを引き立てる、たおやかな朱色

奥井さんの作品のもうひとつの特徴が、柔らかな曲線と調和し、その優しさをより引き立てる、たおやかな朱漆の色合いだ。微かに黄味を帯びた朱漆は、華やかながらも柔和で、伝統的な重々しい朱とは異なり、どこか軽やかでモダンな雰囲気さえ漂わせている。

奥井さんは、奥深い艶を湛えた黒漆の作品も手掛けている。会場の一画には、黒漆と朱漆の作品が交互に並べられ、お互いの色調がより際立つ趣向がこらされている。

奥井さんの漆の技術は、日本を代表する漆芸の産地である石川県の輪島で磨かれた。

「大学卒業後に、石川県立輪島漆芸技術研修所で5年間の研修を経たのち、室瀬和美先生の工房に受け入れていただき、そこでさまざまなことを学びました。先生の技術を間近で拝見できたことに加え、先生はご自身の作品制作だけでなく文化財の修復なども手掛けていらしたので、数々の素晴らしい作品に接することができました。そうした経験も財産となっています。そして作品や仕事を諦めないことを学びました」

現在は横浜にアトリエを構え、制作を続ける奥井さん。

「漆というと、お椀とかお重のようなものを想像しがちですが、こうした自由な楽しい形のものもある、ということを少しでも多くの方に知っていただけたら、と思います。伝統の用の美も大切にしつつ、さまざまな作品にも取り組んでいきたいと思います」

「あやおりがね」。編込まれた金属の平角線がおりなす美しい文様　　──金属・家出隆浩──

「綾織」という名称の織物がある。経糸と横糸の交差する点が斜めになっていく独特の織り方で、ジーンズやコート地などに使われることが多い。この技法を金属に用いたのが、家出隆浩さんの「あやおりがね」と命名された一連の作品である。

銅そのものをはじめ、銅に3％前後の金を加えた「赤銅」、「赤銅」に25％の銀を加えた「四分一（しぶいち）」など、さまざまな金属を細い平角線に加工。その平角線を綾織のように編んで板状にし、銀ロウを流し込んで一体化させたものを鍛金で立体化していく。作品の表情は、まさに編み物。異なる色合いの金属の細板が交差してできる緻密な模様は、モザイクにも似たエキゾチックさを漂わせながらも、編み物ならではの独特の模様は、どことなく懐かしい。

「金属というのはどうしても硬質で無機質なイメージが付きまといます。そこから脱却するにはどうすればよいかと考え、細くした金属を編むことで、有機的な温かみを持たせることができないかと、試行錯誤して辿り着いたのが『あやおりがね』です。この技法を使っているのはおそらく私一人だけで、日本だけでなく世界でも古今東西例はないと思います」

一抱えもあるほど大きな器の内側と外側には、編込みによって生まれる規則正しいパターンがリズミカルに並び、その模様がたっぷりとした器のフォルムと程よい調和を見せる。

不思議なたたずまいのオブジェ作品「屹立」

会場には、不思議なたたずまいのオブジェ作品も並ぶ。「屹立」と命名された作品は、まさに金属の編み物。仔細に眺めると、何本もの平角線が緻密に編込まれ、長く残して編込んでいないその先端は、あえて長さを揃えずカットされている。いわば、器などの作品になる前の状態がもつ面白さを、そのまま作品としたものだ。

アクリルの台座から文字通り屹立するその作品では、使用されている素材の平金線はあくまでも金属として無機質だが、その先端は少しの振動でか細く打ち震え、作品そのものがひとつの生命体のようにも見える。金工ながらも柔和な表情をもつ他の作品とは一線を画すこの作品は、現代アートとして、見る者の心にさざなみを呼び起こし、不思議な感覚で迫ってくる。

「表現様式の違いで、『あやおりがね』の一連のシリーズを『真・行・草』の3種類に分けています。『屹立』は『草』に属しています。『真・行・草』いずれの作品も、一本一本の平角線が編込まれることによって、お互いが影響しあって複雑で美しい模様となっていきます。一本の平角線そのものは、やはり無機質で味気ないもの。それがお互いに関係性を持つことで、それぞれを引き立て合い、美へと昇華していきます」

金属と金属との出合いがもたらす新たな美を求め、家出さんは編み続ける。

木目と象嵌の拡張高い調和　──木・渡辺晃男──

「木工というのは、自然からの贈り物である木に内在する美しさを、どれだけ引き出すか、ということが大切です。ですので、木目（もくめ）の美しさを可能な限りそのまま残し、象嵌は必要最小限に留めおく。それが制作に向かう際の私の姿勢です」

端正な箱物の作品が並ぶ前で、渡辺晃男さんはそう語る。神代欅、黒柿、ウォールナット、桜……。素材として用いられる木はさまざまだが、どの場合も板材の段階から木目を慎重に見極め、吟味を重ねた部分だけを作品に用いる。

「綺麗な木目に象嵌のような模様を入れるのは、じつは葛藤があります。ですので、象嵌を入れる場合は、シンプルな柾目に効果的に入れます。複雑な木目が多い木ですと、模様が打消しあって両方ともマイナスになってしまいます」

効果的に入れられた象嵌は、柾目の美しさと調和し、作品を引き立てていく。小箱の蓋に散らされた青緑の小さな点は、日本画の顔料の緑青（ろくしょう）で鹿の角を染め、それを小さく粒上にして埋め込んだもので、奈良時代から使われていた技法だ。象嵌で描かれた優美な模様も、唐草文様にも似た、やはり奈良時代からの模様を彷彿とさせる。

「奈良にはよく足を運んで、正倉院御物などに見られる古くからの模様などを研究し、それを活かしています。緑青で鹿の角を染めた青緑の色合いが好きで、このようにアクセントで使いますが、じつは染めるには何年もかかるという、大変手間と時間のかかる素材でもあります」

渡辺さんの作品が醸し出す、たおやかさと優美さの源は天平の美にあった。しかし一方で、シャープに走るラインがモダンな様相をも湛える。このラインもじつは寄木象嵌の手法で入れられている。

一本のラインはなんと0.14ミリ幅。その細さで7本から9本ほど入った寄木が一組となって、蓋と側面を彩る。葛藤を経て誕生した端正な象嵌が、神代欅の美しい柾目とあいまって、気高い作品世界を作り上げている。

蓋を開けると、一変してそこは優美な金色の世界へ

蓋を開けると、一変してそこは華やかな金色（こんじき）世界が出現する。蓋裏と内側には金砂子が贅沢に使われ、雅やかな趣だ。抑制された蓋表とは対照的な世界に、しばし驚く。

「こうしたところまでに気を配るのが日本の工芸の素晴らしさだと思いますし、細やかな心配りを取り入れるのが、作り手としての喜びです」

昨年、重要無形文化財「木工芸」保持者、つまり人間国宝に認定された渡辺さんは、蓋裏と内側に自らが施した表現を、微笑みを交え楽しそうに語る。

◆アート探訪記~展覧会インフォメーション

「四弁花 かぐわしⅡ　硝子・漆・金属・木」

会期：2026年9月10日（木） 〜 2026年9月23日（水）

時間：11:00 – 19:00 最終日は17:00まで