奄美大島旅紀行　触れる・食べる・泊まる、島の文化をめぐる旅

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鹿児島県本土と沖縄県のほぼ中間に位置する奄美群島は、奄美大島、加計呂麻島、請島、与路島、喜界島、徳之島、沖永良部島、与論島の8つの有人島からなる。今回旅した奄美大島はその中で最も大きく、面積は700平方キロメートルあまり。東京23区や琵琶湖よりも広く、南北を車で縦断するにもおよそ2時間を要する。

奄美大島は、徳之島、沖縄島北部及び西表島とともにユネスコの世界自然遺産に登録され、2026年7月には5周年を迎えた。ここでしか見られない独自の生態系が守られ、ルリカケス、アマミノクロウサギなど絶滅危惧種も暮らす貴重な自然を宿す島だ。

東シナ海と太平洋、ふたつの海と亜熱帯の森に恵まれた島には、長い歴史の中で育まれた独自の文化が、今も暮らしの中に息づいている。「触れる・食べる・泊まる」をテーマに、奄美大島を旅した。

強い日差しと深い緑。奄美大島の第一印象

奄美空港からレンタカーを走らせると、まず目に飛び込んでくるのは、強烈な太陽の光と、その下に広がるさとうきび畑の濃い緑である。光と影のコントラストが、驚くほど鮮明だ。集落が現れては途切れ、その合間に小さな入り江が姿を見せる。海はエメラルドグリーンに輝きながら、波一つ立てずおだやかだ。クルマから降りて入り江を歩いてみる。容赦なく照りつける日差しに肌を焼かれながら、木陰に入れば、ふっと救われるような涼しさに包まれた。

神に捧げた飲み物をルーツに持つ　奄美大島のソウルフード「ミキ」

レンタカーで島を巡る道すがら、地元のスーパーマーケットに立ち寄るのも旅の楽しみだ。棚を眺めているだけで、この土地ならではの食文化が見えてくる。中でも目を引いたのが、「ミキ」と呼ばれる飲み物である。米とさつまいも、砂糖を原料に発酵させた乳酸菌飲料で、奄美大島を代表するソウルフードのひとつ。島では数社ほどが製造販売しており、島の人たちはそれぞれにお気に入りがあるという。ひとつ購入して「ミキ」を飲んでみる。おかゆを思わせるとろりとした舌触りに、ほのかな甘みとかすかな酸味が重なった。

かつて奄美では「ノロ」と呼ばれる女性祭司が祭祀を司っていた。「ミキ」は、豊年祭などで神に捧げるためにつくられた口噛み酒を起源とするともいわれ、その名も「お神酒」に由来するとされる。かつては各家庭でもつくられていたそうだ。スーパーの棚にごく普通に並ぶ飲み物の中にも、島で受け継がれてきた文化が宿っている。そんな発見もまた、奄美大島を旅する面白さである。

「触れる」奄美大島の伝統産業を知る、大島紬村を訪ねて

さとうきび畑と空と海を横目に、奄美空港から車でおよそ20分。奄美を代表する伝統工芸、大島紬を訪ねて「大島紬村」へ向かった。約1万5,000坪の敷地には、ヤシやアダン、ソテツ、ヒカゲヘゴなどの亜熱帯植物が生い茂り、まるで植物園のよう。夏にはシークワーサーが実り、秋にはシャリンバイが赤い実をつける。

「ルリカケスの声がしますね。姿を見せてくれるかもしれません」。そう教えてくれたのは、大島紬村の社長で、自らも伝統工芸士である越間得晴さんだ。代々大島紬の製造に携わってきた家に生まれた越間さん。この村は父の代に、奄美の自然に触れながら大島紬を知ってもらいたいという願いからつくられたという。現在では制作工程の見学に加え、泥田での絞り染め体験も行われている。

泥と植物が生み出す、大島紬の深い黒

越間さんと庭園を歩いていくと、泥染めの作業場にたどり着く。大島紬を象徴する「泥染め」は、シャリンバイに含まれるタンニンと泥の鉄分を化学反応させ、独特の黒褐色を生み出す伝統技法である。染めて、泥につけ、洗う。これを何度も繰り返し、2〜3週間、時には1か月以上をかけて深い黒を定着させていく。

「江戸時代に始まった技法で、一説には、薩摩藩の武士から紬を隠すため泥の中に入れたところ、独特の黒に染まったことが始まりともいわれています。技法として確立されたのは、明治から大正時代です」

工房では、シャリンバイ染め、摺込捺染（すりこみなっせん）、締機（しめばた）、手織りなど、大島紬が完成するまでの工程を見ることができるのだが、その複雑さと緻密さに圧倒される。一つひとつの工程に熟練の技と時間を要し、その積み重ねによって一反の大島紬が生まれる。目の前で手仕事を見ると、その貴重さが実感として伝わってくる。

大島紬の緻密な柄は、織りながら描いていくものではない。実は、織り始める前の糸の段階ですでに図案が仕込まれている。設計図に沿って、一本一本の糸に柄の一部分となる染め分けを施し、その絣糸（かすりいと）を経糸（たていと）と緯糸（よこいと）に使って、染め分けた位置を正確に合わせながら織っていく。つまり、一本の糸だけを見ても柄はわからない。それぞれに仕込まれた柄の一部分が、織り進めるにつれて重なり合い、やがて緻密な文様となって現れるのである。一反の大島紬の柄は、織機にかけるよりも前から、すでに無数の糸の中に分解されて存在しているのだ。

奄美大島・龍郷町発祥とされる「龍郷柄（たつごうがら）」。幾何学的な文様が印象的な、大島紬を代表する伝統柄のひとつ。ハブの背模様やソテツの葉など、島の自然をモチーフに発展してきた伝統柄である。幾何学的な文様は遠目には端正に、近くで見ると驚くほど緻密。大島紬ならではの絣の技術がよくわかる柄のひとつだ。

大島紬を、いまの暮らしへ

園内には、白を基調としたモダンなショップも併設されている。伝統的な龍郷柄から、ドット柄が印象的な白大島まで着尺が並ぶほか、アロハシャツや蝶ネクタイ、バッグ、財布など、現代の装いに取り入れやすいアイテムも揃う。反物を仕立てた際に生まれる端切れも、くるみボタンや帯留め、シュシュへ。長い時間をかけてつくられた布を、最後の一片まで生かす。伝統工芸をぐっと身近に感じさせるものが並び、あれこれ手に取っているうちに時間が過ぎていく。

大島紬村・大島紬製造工場観光庭園
鹿児島県大島郡龍郷町赤尾木1945
0997-62-3100

「食べる」奄美の食文化を次世代に手渡したい、なつかしゃ家の食卓

ビジネスや観光の拠点である名瀬は、奄美大島の中心地だ。多くの飲食店が軒を連ねる屋仁川通り（やにがわどおり）は、地元では「やんご通り」の愛称で親しまれている。その通りから少し入ったところに「なつかしゃ家」はある。店というより、田舎の親戚の家を訪ねるような一軒家の郷土料理レストラン。初めて訪れたのに、どこか懐かしさが込み上げてくる。その名の通り「なつかしゃ家」なのだ。この日も予約でいっぱいの店内を切り盛りしていたのが、女将の恵上イサ子（えがみ いさこ）さんである。

席に着くと、テーブルいっぱいに郷土料理が並んだ。鮮やかなピンク色のハンダマご飯、ピーナッツ豆腐、豚骨料理、祝い事に欠かせないもち米天ぷら。一品一品に島の知恵が詰まっている。

奄美大島のお料理の特徴は？と聞いてみた。「味の決め手は、サトウキビから作られるザラメと黒糖の巧みな使い分け。ほとんどの料理にザラメを使い、黒糖はお菓子に用いるのが奄美流。ザラメと黒糖だとやっぱりその味わいがお料理に使った時違うんです。全然コクが違うから」と恵上さんが説明してくれた。

奄美には「塩豚」の文化も根付いている。冷蔵庫のなかった時代、豚肉にたっぷりと塩をまぶして保存し、正月前に仕込んだものを翌年5月頃の田植えの時期に食べていたという。

「昔はそれぞれの家で米を作っていたので、豚肉にたっぷりと塩をして、その藁に包んで軒下に下げておくんです。それを田植えの頃に外して、煮て食べるんですよ」

肉を長く保存するための知恵でありながら、米を作る暮らしとも結びついていた塩豚。奄美の郷土料理には、島で暮らしてきた人々の生活が映し出されている。

恵上さんは元中学校の教員。定年まで勤め上げ、退職したのち郷土料理の店を開くのが夢だった。3歳の時に父を亡くし、料理は母の手伝いをしながら自然と覚えた。小学校5年生になる頃には運動会に自分で手巻き寿司を作るほど。

「家は貧しかったけれど、『貧乏はしても心の貧乏はさせない』という母の口癖だった言葉が、私の生き方の根底にあります」。

そして教員時代のある出来事も「なつかしゃ家」を開く原動力になった。夏休み直前の暑い日のことだった。

「数十年前、まだ奄美大島内でも生活水準に差があった頃のことです。中学一年生を筆頭にした3人兄弟が問題行動を起こし、鹿児島の教護院に送られることになりました。名瀬港へ見送りに行った私は、『どうして親元を離れて行くの？』と彼らに尋ねたんです。すると、『先生、俺たち兄弟3人、朝昼晩のご飯が食べられたら、どこでもいいんだ』。そう答えたのです」

何十年も前のことだというのに、恵上さんは少し涙ぐんでいる。あの日の言葉は、「子どもたちに二度とあのようなひもじい思いをさせてはいけない」という使命感へと変わった。退職後、かつての教え子たちが「先生」と言って帰ってこられる館を作りたい。その思いの原点となった出来事だった。

次なる夢は「体験の館」。奄美の文化を未来へつなぐ

「なつかしゃ家」を実現した恵上さんには、次なる夢がある。郷土料理を食べて「美味しかった」で終わるのではなく、自ら作り、その背景にある文化まで体験できる「館」を作ることだ。黒糖を使った蒸し菓子ふくらかんや天ぷら作りなど、誰もが参加できるクッキングクラスも思い描いている。

中でも伝えていきたいのが、正月に一年の健康や繁栄を願っていただく奄美大島の伝統料理「三献（さんごん）」である。一の膳、二の膳、三の膳と順に供される儀式的な料理で、同じ三献でも、お吸い物の出汁には豚骨や魚など地域による違いがあるという。

しかし若い世代では、準備や作法を簡略化する家庭も増えている。恵上さんは伝統を絶やすまいと、奄美高校の家政科で年に一度、4時間をかけて三献料理を教えている。

「高校生たちが『こんな伝統があるんだ』と知り、家族に話して、『じゃあ来年のお正月はやってみようか』という家庭が一つでも増えてくれたらいいなと思っています」

今日は奄美の唄者、 前山真吾さんが島唄を披露してくれる賑やかな夜だ。まずは「朝花節」で座が開く。三線（三味線）を弾きながら、ファルセットと節回し、音階は、初めて聞くのになぜか郷愁を掻き立てる。心が浮き立つような「ワイド節」で店内が温まってきた。恵上さんは配膳しつつ踊りつつと、見ているこちらも笑顔に。この店には、ここが自分の帰る場所だと思わせる安心感があふれている。

「76歳にもなってね、体験施設を作りたいとか、まだ夢を追いかけているから、人から見たらアホと思われるかもしれないでしょ」

恵上さんは少々自虐的に言うけれど、それでも夢を諦めたりはしない。今度は恵上さんの教え子たちが、先生を応援してくれている。奄美の食文化を次世代へつなぐために、恵上さんの挑戦は、まだ続く。

なつかしゃ家
鹿児島県奄美市名瀬柳町11-26
0997-57-1980
完全予約制

音楽と酒造りが出合う、奄美大島　西平酒造

奄美大島を旅するなら、黒糖焼酎は欠かせない。本来、黒糖を原料とする蒸留酒は、日本の酒税法では税率の高い「スピリッツ」に分類される。戦後、米麹を使用することを条件に、奄美群島（奄美大島・喜界島・徳之島・沖永良部島・与論島）に限り黒糖を原料とする焼酎造りが認められ、現在まで続く。黒糖焼酎は、奄美群島だけで造ることのできる、この土地ならではの酒なのである。

その黒糖焼酎に、新しい感性で向き合っている蔵がある。まもなく創業100年を迎える西平酒造だ。4代目の西平せれなさんは、東京の音楽大学へ進学後、ミュージシャンとして活躍していた経歴を持つ。現在も酒造家であると同時にミュージシャンでもある。さらに社員の半数もミュージシャン活動をしているというから面白い。

音楽と酒造り。一見異なるふたつの世界が、この蔵ではごく自然につながっている。それぞれが役割を担い、互いの感性を響かせながら黒糖焼酎をつくり上げる。そのものづくりは、バンド活動にも似ている。

創業当時からの主要ブランドは「珊瑚（さんご）」。「珊瑚」は最も古くからあり、従来はもっと力強い味わいだった。西平さんが帰郷後、女性や若者にも飲みやすいものを作りたいという蔵を刷新する機運があり、杜氏を説得して現在の味わいに改良。ラベルデザインも3年前に一新した。ポップなデザインが魅力的。

音楽で熟成する黒糖焼酎「Sonic Aging（ソニック・エイジング）」

音楽家が集まる西平酒造らしさを象徴するのが、「Sonic Aging」というユニークな試みだ。専用の音楽室に熟成樽を置き、それぞれの樽に異なるジャンルの音楽を聴かせる。選ばれたのは、ロック、レゲエ、ヒップホップ、ハウス、ラテン、そして奄美の島唄の6種類。ジャンルによって異なる周波数やリズムの振動が樽の中の原酒を揺らし、熟成や味わいにどのような変化をもたらすのかを探るプロジェクトである。

単に「音楽を聴かせた酒」として売り出したのではなく、6種類をそれぞれ商品化していること。島唄を聴いて熟成した酒、ロックを聴いて熟成した酒。それぞれを飲み比べ、香りや色、口当たり、風味の違いを自分の舌で確かめることができる。

「音楽をつくるように醸し、奏でるように発信する」を掲げる西平酒造。音楽と酒造りという自分たちが持つふたつの個性を、単なるイメージではなく、実際の酒造りにまで結びつけたのが「Sonic Aging」なのである。

黒糖焼酎を、まず島の人たちに知ってほしい

西平酒造がいま力を入れていることのひとつが、蔵見学ツアーである。当初は島外から訪れる人に黒糖焼酎を知ってもらうために始めたが、意外にも地元からの参加が多かった。とりわけ若い世代には、黒糖焼酎がどのような酒なのか、よく知らない人も少なくないという。

そこで、まずは地元の人たちに、自分たちの土地で造られている酒を知ってほしいと、見学ツアーを増やした。酒造りの現場を実際に見てもらい、さまざまな飲み方を提案することで、黒糖焼酎をより身近に感じてもらおうとしている。

西平さんの視線は、酒蔵の外にも向いている。

「ゆくゆくは地域の情報誌を作りたいんです。屋仁川のエピソードやお店の情報をアーカイブとして残し、地域の歴史や文化を伝えていくための媒体ができたらと考えています」

造り続けるだけではなく、まず知ってもらうことから始める。西平酒造の新しい試みの根底には、黒糖焼酎という奄美の文化を、島の次の世代へ手渡したいという思いがある。

西平酒造株式会社
鹿児島県奄美市名瀬小俣町１１−２１
蔵見学は要予約  2,500円お土産付
0997-52-0171

「泊まる」奄美の自然と文化に包まれる、ティダムーン

旅の滞在先に選んだのは、奄美空港から車で約10分、太平洋に面して建つ「ティダムーン」。目の前には青い海が広がり、その沖には「立神（たちがみ）」と呼ばれる岩が浮かぶ。奄美では古くから、海の彼方に豊穣の神々が住む「ネリヤカナヤ」があると考えられてきた。立神は、そこからやって来る神々の道標とされてきた、島の信仰と深く結びついた存在である。

ホテルの名は、奄美の方言で太陽を意味する「ティダ」と、英語の「MOON」を組み合わせたもの。太陽と月、海、そして立神。ホテルに身を置いているだけで、奄美の自然と、その奥にある島の文化を身近に感じられる。大島紬の織元がオーナーを務めるだけあって、館内には「大島紬美術館」を併設。島の食材を生かした料理も楽しめる。泊まることそのものが、奄美の文化に触れる時間になる。そんなホテルである。

太平洋と過ごす、ふたつのスイートルーム

ティダムーンには全23室の客室があり、そのうち6室がスイート。中でも太平洋に面した「衣-gin-」と「縁-en-」は、ともに66平方メートルのゆったりとした空間と、目の前に広がる海が印象的なスイートルームである。

「衣」のテーマは、その名が表すように大島紬。室内の随所に大島紬が取り入れられ、空間の中で身近に感じられるように設えられている。落ち着いた色調の室内の先には大きな窓が広がり、その向こうは太平洋。海と空が刻々と色を変えていく様子を、部屋にいながら眺めて過ごすことができる。

この部屋でひときわ目を引くのがバスルームだ。海に向かって開かれた空間にバスタブを備え、湯に浸かりながら太平洋を一望できる。朝には水平線から昇る太陽を、夜には月明かりに照らされた海を眺めながらのバスタイム。日常ではなかなか味わえない時間である。

もうひとつの「縁」は、太平洋に面した角部屋。窓の向こうには喜界島、沖合には立神を望む。室内は極めてシンプルで、大きなガラス窓の先には広いテラスが続く。朝日を浴びながらヨガをしたり、椅子に腰掛けて海を眺めたり。旅先だからと予定を詰め込まず、何もしない時間を楽しみたくなる。

この部屋の特徴はミニマルなインテリア。あえてテレビは置かれていない。この部屋で見るものは、一日の中で刻々と変化し表情を変える海と空があればそれでいいのだ。ゆっくりと昇る朝日のまばゆさも、夕刻から短い時間に現れるマジックアワーも、夜には海面に月明かりが帯のように伸びる「月の道」が現れることもある。見るべきものは奄美大島の自然が全部用意してくれているのだから。

「衣」と「縁」、趣は異なるが、どちらにも共通するのは、窓いっぱいに広がる奄美の海。テラスに出て潮風にあたり、海を眺めながらバスタイムを楽しむ。あえて予定を入れず、この部屋で一日を過ごす。そのために泊まりたくなるスイートである。

大島紬の美を間近に。大島紬美術館

ティダムーンを語るうえで欠かせないのが大島紬である。オーナーは大島紬の織元で、現在も大島紬を織り続けている。館内の「大島紬美術館」には、皇室に献上されたものと同柄の貴重な作品をはじめ、歴史あるものから現代的な大島紬までが一堂に並ぶ。

さらに、奄美の自然を描き続けた日本画家・田中一村の原画や、その絵を大島紬で表現した作品など、ここでしか見ることのできないものも展示されている。絵画の世界を染めと織りによって表現した大島紬は、近くで見るほど、その緻密さ、ドラマティックな色彩に驚かされる。

ティダムーンに宿泊して、大島紬美術館でさまざまな時代や表現の大島紬に触れる。織元が手がけるホテルだからこそ、滞在の中で大島紬を身近に感じられるのである。

ホテル ティダムーン 
鹿児島県奄美市笠利町大字平１２６０
0997-63-0006

大島紬美術館

ティダムーン内に併設。

美しい海や森、この島ならではの文化、そして人々の暮らし。奄美大島には、観光地としてつくり込まれすぎていない素朴さが、今も残っている。旅を終える頃には、その飾らない心地よさがすっかり好きになっていた。また帰ってきたい。そう思わせてくれる奄美大島の旅だった。

鹿児島の宝を巡る旅は、これからも続く。これまでの「南の宝箱　鹿児島を巡る旅」は以下から。

第一回　鹿児島の「茶」を巡る旅　はこちら

第二回　鹿児島の「ウイスキー」を巡る旅　はこちら

第三回　鹿児島の「焼酎」を巡る旅　はこちら

第四回　癒やしの島、屋久島へ。豊かな自然の恩恵を受けて暮らす人々が営むショップとカフェを訪ねて

千五百年の伝統を新たな形で世界へ広げる、越前和紙問屋「杉原商店」

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集落を囲むなだらかな山々から、清らかな水が流れ込む。福井県越前市は、奈良時代から続く手漉き和紙の産地として知られている。この「和紙の里」に、伝統の技と現代の最先端空間デザインを繋いでいる一軒の産地問屋がある。明治4（1871）年創業の株式会社杉原商店だ。
伝統工芸を取り巻く環境が厳しいことは、越前和紙も例外ではない。そんななか、社長の杉原吉直さんは、それまでになかった発想で「不燃和紙」や「漆和紙（うるわし）」を生み出し、紙すき職人や建築家、デザイナー達と共に越前和紙の潜在能力を引き出している。「作らない」問屋という立場だからこそ「作り出せた」新たな越前和紙の可能性。その経緯や、未来へ続く取り組みについて、話を伺った。

和紙の美しさを知らしめた、産地問屋のプロデュース

2025年9月12日。この日オープンしたNEWoMan（ニュウマン）高輪のメインエントランスでは、真白なオブジェがひときわ注目を浴びていた。杉原商店が手がけた、越前和紙のディスプレイだ。大空間に、継ぎ目のない一枚紙が美しいドレープを描き、透け感や陰影を生み出す繊細な和紙細工が立体的に組み上げられている。訪れる多くの人たちが立ち止まり、写真や動画を撮りながら感嘆の声を揚げていた。

当初、このディスプレイは開店祝賀用の企画として２ヶ月限定で展示される予定あったという。しかし、オープン直後から買い物客をはじめ、建築家やデザイン関係者の間で大きな話題を呼び、最終的に翌年1月まで約5ヶ月間もの長期にわたった展示になったのだ。

「紙という薄い1枚のものが、巨大な商業空間の照明や空調環境に耐え、見る人を惹きつけ続けることができた。この成功は、私たちの越前和紙が、単なる『伝統的な工芸品』にとどまらず、現代の建築や商業空間を彩る『空間デザイン素材』として十分に通用することを証明するできごとになりました」と杉原さんは言う。

しかも、NEWoManから『和紙で巨大な空間演出ができないか』という依頼を受けてから約2ヶ月という短期間での完成だったというから驚きだ。

商業施設の大型ディスプレイ制作には半年以上の準備期間を要するものが多い。しかし、杉原さんは即座にチームを組み、現地視察と手描きのラフスケッチを作成し、予算設計と並行して素材の調達・加工プロセスの設計に着手した。産地問屋として各工房の得意分野や現在の手空き状況をリアルタイムで把握している杉原商店だからこそ、極めて短い時間でありながら、高品質な大判和紙の調達と加工が実現できのだろう。

「紙座」として栄えた歴史。越前の地の利と技

なぜ越前和紙はこれほどまでにダイナミックで多彩な表現が可能なのだろうか。その理由は、地理的・歴史的背景と、戦後の高度経済成長期に培われた独自の技術基盤にある。

越前は、古くから北陸街道や北前船の航路を通じて京都や奈良といった日本の文化的中心地と強く結びついていた。同時に、大陸からの先進技術や文化を受け入れる地理的拠点でもあった。奈良時代の正倉院文書（737年）「越前国大税帳」は和紙に記録されており、すでに官立の紙漉き場が存在していたことが知られている。

「江戸時代以前、越前には織田信長や豊臣秀吉、さらには江戸幕府から特定の保護と特権を与えられた「紙座（かみざ）」と呼ばれる職人・商人組合が存在していました。紙座では、幕府や諸大名が公文書や奉書紙（ほうしょし）として用いる最高級の公用紙を独占的に生産・供給していたんです。国家の最高機密や公的な決定を記載するための紙ですから、破れにくく、経年劣化に強い卓越した品質が求められます。その技術を脈々と受け継いでいるのが、越前和紙なんです」。杉原さんは誇らしげだ。

一方で、現代の越前和紙を象徴する技術の一つに「大判の和紙」がある。一枚で畳数枚分にも及ぶような巨大な手漉き和紙は、ほかの産地では容易にまねできない。

「昭和の高度経済成長期、公団住宅や一般住宅の建設ラッシュに伴い、大量の襖紙（ふすまがみ）が必要とされました。越前の職人たちはこの需要に応えるため、複数人で一気に漉き上げる大型の漉き桁（けた）と専用の設備を開発したのです。この時代に培われた大判制作のインフラとノウハウが、現在の建築・インテリア向け和紙の基盤となっているんです」。

越前には和紙だけでなく、越前漆器、越前打刃物、越前焼といった多種多様な伝統産業が集積している。この地では、1000年以上前から最高峰の技術と素材が集まり、相互に刺激し合ってきたのだろう。そんなものづくりの風土も、越前和紙の技の背景として影響しているに違いない。

その越前で、江戸時代中頃から、杉原家は紙漉き職人として歩みを始めた。農地に乏しい山あいの地で、幕府や領主の保護のもと「紙年貢」を認められ、最高級とされる越前奉書などの生産を代々支えてきた歴史を持つ。

明治4（1871）年の廃藩置県と「紙座」の撤廃に伴い、吉直さんの祖先にあたる杉原半四郎さんが和紙屋を創業。大正期には大正天皇御大典用紙を調進する栄誉を授かり、敷地内には今も文化財となる蔵群が残っている。

職人として技術を磨いた江戸期の情熱と、明治以降の問屋としての知見を受け継ぐ吉直さんは、2010年に社長に就任する前から、建築向けのシフトを進め始めていた。

コロンブスの卵的な着眼点が、建築資材への扉を開く

和紙を建築市場に広める上で、最大の障壁となっていたのが「火災に対する安全性」だった。建築基準法では、商業施設、ホテル、病院、高層ビルなどの内装では、不燃材料の使用が厳しく義務付けられているからである。

従来の不燃和紙は、和紙の繊維自体に不燃薬品を浸透させる手法が一般的だった。しかし、この方法では和紙特有の風合いや手触り、独特の発色が失われ、経年変化によって不燃薬剤が表面に白く浮き出るなどの欠点がある。

そこで杉原さんは発想を転換。和紙単体で不燃を目指すのではなく、「石膏ボードやガラスといった不燃基材に対し、特定の施工法と接着剤を用いて和紙を一体化させる」というアプローチで、国土交通省から正式に『不燃材料認定』を取得したのだ。「和紙本来の美しさ、風合い、透光性を損なうことなく、建築基準法の厳しい内装制限をクリアすることが可能になったんです」。

不燃認定取得後は、国内外のトップ建築家やインテリアデザイナーからのオファーが増え、国立競技場関連の施設や有名ホテル、高級ブランドの旗艦店などで、越前和紙が広く取り入れられるようになった。

「建築家の方々は『これまで使いたくても法律の壁で使えなかった和紙が、自由に使えるようになった』と非常に喜んでくれました。現在では国内のみならず、オーストラリアやヨーロッパなど海外の建築プロジェクトへも輸出が広がっています」。

産地問屋の仕事は、『問診』と『処方箋』の提供

越前和紙の産地から目と鼻の先に、越前漆器の産地・河和田（かわだ）地区がある。こちらも1500年の歴史を誇る伝統工芸。杉原さんは、隣どうしという距離感を活かし、和紙の表面に本漆を何度も塗り重ねる「漆和紙（うるわし）」の開発に着手した。

和紙の持つ柔軟性と光を柔らかく透かす特性に、漆がもたらす深い艶、耐水性、堅牢性が加わることで、従来の和紙や漆器単体では表現できなかった新しい質感のプロダクトが誕生した。そのとき、アドバイザーとして併走してくれたのは、リビングデザインプロデューサーの山田節子さんだった。それまでも、建築やショーウインドウのデザインで国内外のクリエイターと共に多くのプロジェクトを進めてきた杉原さんは言う。

「産地の中にずっといると、自分たちの持っている技術や素材の本当の価値に気づけなくなることがあります。だからこそ、外部の優秀なクリエイターの目が必要です」。

一般的な問屋の仕事は、商品を仕入れて卸す「在庫管理と配送」である。しかし、杉原さんが実践しているのは、顧客のイメージを具現化するコーディネートやプロデュース業務だ。

「建築家やデザイナーは『こういう空間を作りたい』という概念やイメージを持っています。しかし、それを実現するためにどの職人のどんな技術を使えばいいかはわかりません。一方で、職人は素晴らしい技術を持っていますが、現代の空間デザインのトレンドや建築基準法などの専門知識を持っていません。間に立った私たちの仕事は、双方の言葉を通訳し、最適な解を導き出す『問診』と『処方箋』の提供だと考えています」

伝統とは「守ること」ではなく「変わり続けること」

「いろいろなことに挑戦してきましたが、自分で英断を下して進んできたわけではないんです。周りの方のアドバイスを素直に受け入れていただけ。2001年に越前和紙を視察に来られた東京デザインセンター社長の船曳鴻紅さんから『これから建築向けで注目されるから、ビッグサイトの展示会に出なさい。“大きな紙ができます、値段はいくらです”って立っていればいいから』と言われて、その通り展示会に出たら賞をいただいて。でも、すぐに注文がくるわけありませんよね。そうしたら、展示会で知り合った方が『名刺交換した相手にアポイントを取れ。俺が運転手になって連れて行くから』と。そして『手書きで礼状を書くんだぞ。寝ている暇ないぞ』なんて言われて、愚直にその通りに手紙を書き続けました」。

その翌年、六本木ヒルズ森ビル本社を皮切りに、各方面からの依頼が相次ぐようになったという。その柔軟な発想とグローバルな視点の背景には、自身の生い立ちとキャリアが深く関係しているかもしない、とも。

「小学5年生の時、作文コンクールで北陸代表に選ばれて、副賞として2週間のヨーロッパ研修旅行に連れて行ってもらいました。その頃は、東京に行くのも珍しい時代でしたから、カルチャーショックで。世界には自分の知らない文化や人たちがいて、それが意外と近いところにあるんだ、という感覚を幼少期に持てたことが、海外展開や新しい取り組みへの心理的ハードルを下げてくれたのかもしれません」。

伝統を受け継ぐことと、進化し続けること。一見相反するようなことを軽やかにやり続けている杉原さん。越前和紙、ひいては伝統工芸の未来について尋ねると、即座にこんな言葉が返ってきた。

「1500年の歴史があるから今があるのではなく、その時代時代の人々が必要とする形に変革し続けてきたからこそ、1500年続いてきたのです。昔と同じものを作り続けることだけが伝統を守ることではありません」。

伝統的な「紙座」の誇りを根底に持ちながら、建築資材化、異業種融合、グローバル展開といった新しい挑戦を重ねる杉原商店。存続の危機に瀕する日本の多くの伝統工芸にとって、杉原氏の姿は、未来を照らすひとつの光になるような気がした。

株式会社 杉原商店

福井県越前市不老町17-2

歌舞伎俳優　坂東玉三郎さん　「後世に伝えるべき歌舞伎衣裳の素晴らしさと、それを支える職人技」

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2023年6月、東京の「セイコーハウス銀座ホール」で「坂東玉三郎衣裳展　四季・自然・生命─時の移ろいと自然美─」と題する衣裳展が開催された。展示されたのは、いずれも坂東玉三郎さん自身が、衣裳を制作する職人と対話を重ね、長い時間をかけて作り上げてきた、思い出と思い入れのある歌舞伎衣裳ばかり。この衣裳展は海を渡り、英国の「オックスフォード大学付属アシュモリアン美術館」で2023年11月から2025年11月まで約２年間にわたり開催され、英国でも大きな話題を呼んだ。女方の第一人者である玉三郎さんが、自ら歌舞伎衣裳制作に携わり、その美しさを国内のみならず、海外へも広めている。「PREMIUM JAPAN AWARD 2026」の受賞は、その熱い思いに対する敬意の表れである。

2026年8月歌舞伎座「八月納涼歌舞伎」。夏の一夜を夢のような刹那へと誘った玉三郎さんの舞

2026年8月の歌舞伎座「八月納涼歌舞伎」の第三部は、坂東玉三郎さんによる地唄舞『雪』と『残月』だった。『雪』の舞台は後方に置かれた金屏風と、舞台袖両脇の燭台のみ。『残月』にいたっては朧月が天空に浮かぶだけ。極限まで削ぎ落とされた舞台空間で、玉三郎さんが舞う。舞うといっても、身体が移動する範囲は畳一畳ほど。にもかかわらず、ほんのわずかな首の傾きや目線の方向、微かな裾さばきの動きだけで、切ない恋の記憶が呼び起こされるような、溢れんばかりの情感が漂ってくる。

舞台は無限の広がりを見せつつ、その一方でしめやかに舞う玉三郎さんの神々しいまでの姿に空間のすべてが集約され、それが凛とした気配となって新たに空間へと放射されていく。衣裳はいずれも白。『雪』はちりめんで、『残月』は綸子だ。玉三郎さんのしなやかな動きに沿い、やはりしなやかに身体により沿う純白の衣裳が、夏の一夜を夢のような刹那へ誘う。

会場を訪れた誰もが目を見張った、豪華絢爛な歌舞伎衣裳

3年前、「セイコーハウス銀座ホール」での「坂東玉三郎衣裳展　四季・自然・生命─時の移ろいと自然美─」の会場に足を運んだ人は、間近で見る玉三郎さんの衣裳の豪華さと美しさ、そして斬新な意匠に誰もが目を見張った。

たとえば『助六所縁江戸桜』に登場する三浦屋揚巻が重ね着している裲襠（うちかけ）の1枚目。背中には、金糸の注連縄、鏡餅など「人日の節句（1月7日）」の飾り物が手刺繍で施され、なんと作り物の伊勢海老までも。斬新というかシュールというべきか、見る人の度肝を抜く意匠だ。それを脱ぐと、今度は「上巳の節句（3月3日）」の趣向が背中一杯に刺繍されている。そこでは枝垂れ桜の下に幔幕が張り巡らされ、火炎太鼓を打ち鳴らしながら花見の宴が催されている。

近代の歌舞伎衣裳に取り入れた琳派の意匠

「背中に伊勢海老を背負うなんて、まさに、なんでもありの歌舞伎衣裳そのものですね。でも、この伊勢海老は、楽屋で仕度が整ってから背中に付けていただくので、私からは見えないのです。改めて見ると、なんとも凄いものを背負っているのだな、と驚きます」

また、『廓文章』の扇谷夕霧の衣裳は、枝垂れ柳に鷺が舞い、裾回りには流水が描かれている。

「これは琳派の影響を受けています。日本の美意識に脈々と息づいているのが琳派です。ここ百年ほどの歌舞伎衣裳の流れは、明治の先輩俳優方が伝統の琳派模様に、近代絵画の画風を取り入れたものです。六代目の歌右衛門さんや六代目の菊五郎さんは横山大観さんや東山魁夷さんに依頼して衣裳を考案してもらっていました」

「私は先輩方が作り上げてきたこうした近代の歌舞伎衣裳に、私なりの構想で琳派模様を取り入れています。自分で作り始めたのは30代の半ばくらいですが、唐織や刺繍を施した衣裳作りに多く関わったのは40代からです。先輩方が着ていらっしゃった衣裳は私には小さいので、私の寸法にしなければなりませんでした。それで少し大きめに染め直していただいたりすると、今度は他の方には大きすぎたりもします。それで、自分自身の衣裳を作るしかなかったのです。必要に迫られての衣裳作りでした」

伝統芸能の歌舞伎には予め決められた「型」があり、衣裳もこの役はこの衣裳という具合に、決まり事がある。長年受け継がれてきたこうした決まり事を守りながら、そこに玉三郎さんの美意識を時には大胆に反映させ、新たな歌舞伎衣装が生まれた。

歌舞伎は肉体表現そのもの。そして衣裳は皮膚

『雪』と『残月』の衣裳に関して、玉三郎さんは事前の記者会見で「衣裳はどちらの演目も白に落ち着きました」と語っている。仄暗い照明に溶け込みながらも、輪郭が際立つ「白」。幾重もの思慮を重ねての「白」の選択だったのだろう。玉三郎さんにとっての衣裳とは……。

「歌舞伎は肉体表現そのもので、衣裳までも含んだ肉体表現だと思います。いうなれば衣裳は皮膚にもなるのです。助六の揚巻でも、お客様が『この人は一日中この衣裳を着ている』と思ってくださるように着ることが大切です。軽い衣裳のように見えてしまったら、舞台は途端に貧弱なものになります。また、私は先輩の女形から『女形は裾の角まで神経を行き届かせなさい』と教育されてきました。それぐらい、衣裳の隅々にまで気を使わなければなりません。ただ、一度舞台に立つと、裾の様子は自分からは見えません。どのように裾を引いているかは、自分で分かっていなければなりません。そのためには、裾にどれくらい芯を入れればよいかを自分で把握しておく必要があるのです」

衣裳を「軸」で着る

それにしても、たとえば三浦屋揚巻の裲襠。ふんだんに刺繍が施された分厚い裲襠を重ね着し、おまけに背中に海老まで背負って重くないのだろうか？

「おそらく40㎏くらいあると思います。でも舞台に立つと不思議に重さを感じません。軸というか体の全体で着ている感覚なので、重さを感じないのです。でも、衣裳を風呂敷で包んで持つとずっしりと重いのです。ああ、こんな重いもの着ていたんだと思います。『鷺娘』でも、白無垢から娘、そして鷺の精と3枚の衣裳を重ね着しています。以前量ったら17㎏もあり、私自身もびっくりしました」

『雪』や『残月』で玉三郎さんが見せた、しなやかで揺蕩（たゆたう）ように舞いながらも、そこに漂う凛とした気品。そして『助六所縁江戸桜』や『鷺娘』での衣裳の重さを微塵も感じさせない動き。それは衣裳を「軸で着ている」感覚があるからこそ、表現できる次元に他ならない。

何度も職人のもとに足を運び、ようやく完成する衣裳

衣裳展を開催するにいたったきっかけのひとつは、玉三郎さんが抱き続けている危機感だった。

「歌舞伎の衣装はある意味では消耗品でもありますので、きちんと保存されることは稀なことです。そのあたりが、能装束とは異なるところです。私が何かを演じようとしても、その役の為の良い衣裳がない、という場合が続き、それならば自分で作るしかないと決心したのが、そもそもの始まりでした」

衣裳を作るにあたり、玉三郎さんはしばしば自ら職人のところに出向く。

「『雪』の衣裳は、京丹後のちりめん屋さんに足を運んで、どの色でどの重さのちりめんかを相談して幾度か試し織りをし、仕立屋さんとはどれくらい袖口や裾に綿を入れるかを話し合い、ようやくできあがってきたものです。」

歌舞伎衣裳の素晴らしさと、それを伝えることの大切さ

「先輩の俳優さん方が錚々たる画家にお願いすることができたのは、先輩方には絵を見る力がありましたし、画家の方々も依頼されているお芝居の内容を理解する力量と技があったからです。画家だけでなく無名の職人さんたちもそうでした。阿吽の呼吸で衣裳を作ることができたのです。ところが、今ではその双方の関係性が希薄になりつつあります。さらに、職人さんが少なくなってしまっているという問題もあります。地方の衣裳の倉庫や美術館には、昔の座元のところに有った、素晴らしい衣裳が残されていたりもしますが、現在は職人さん達が少ないので、それを手本として再現することが難しくなっています。衣裳だけではありません。歌舞伎の舞台には、さまざまな小道具が登場しますが、そうした小道具を作る職人さんも年々減ってきています。このように職人さんがどんどん減っている状況は、本当に危機的な問題だと思います」

「ですので、歌舞伎俳優も勉強しなければなりません。画家や職人さんまかせではなく、自分がこんな衣裳を着たいという思いを伝え、作り手と会話を重ねることで、はじめて良い衣裳ができてきます。私も画家や職人さんにきちんとした意思をお伝えできるよう、さまざまなことを学んできました。日本の美術だけでなく西洋の絵画や音楽なども吸収し、そこから得たものを衣裳作りに活かしてきました。長い時間をかけて作ったものはやはり素晴らしく、お客様が見れば、出来具合と、その創作過程を理解して楽しんで頂けます。それが役者として嬉しく、有難いたいことなのです」

こうして出来上がった、美術品ともいえる衣裳が展示されることで、少しでも多くの人が歌舞伎衣装の素晴らしさに触れ、それを伝えていくことの大切さに思い至ることを玉三郎さんは望んでいる。

坂東玉三郎　Bando　Tamasaburo

1950年東京生まれ。1964年14代目守田勘弥の養子となり5代目坂東玉三郎を襲名。以来、歌舞伎界を代表する女方として数々の大役を演じる。2012年「歌舞伎女方」保持者として人間国宝に認定。歌舞伎俳優のみならず、俳優、映画監督、演出家として国内外で活躍する。

1日20食限定。ワゴンで届く本格点心と香港伝統菓子に舌鼓

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ウェスティンホテル東京の広東料理「龍天門」に、1日20食限定の「飲茶アフタヌーンティー “秋の収穫祭＆香港ディライツ”」が登場。11月30日（月）までの期間限定で楽しめる。

このアフタヌーンティーの醍醐味は、ワゴンで運ばれる本格点心だ。点心師が手がける「松茸の小籠包」と「五目揚げ湯葉の銀杏ソース」、「海老の玉子入り香港海老蒸し餃子」 の3種類が、香港の伝統的なワゴンスタイルで席まで運ばれ、本場香港さながらのライブ感を楽しめる。

スイーツは、みずみずしい「シャインマスカットのトライフル」や「洋梨のブリュレ」をはじめ、香港で親しまれている伝統菓子がずらり。香港名物の「エッグワッフル」にモンブランクリームと栗甘露煮を添えた一品や、中秋節に親しまれる「紫芋の生月餅」、サクッとしたパイ生地が特徴の「マカオエッグタルト」、愛らしい「アニマル饅頭」などが揃う。

セイボリーにも実りの秋ならではの味覚が。「さつま芋の桂花陳酒漬け」や、黒酢とオリジナルラー油が香る「秋茄子入り“よだれ鶏”」、「クリスピーポークのチャイナバーガー」など、「龍天門」ならではの広東料理を少しずつ味わえる。

ドリンクは、菊花茶やレモングラス、ローズマリーなどをブレンドした「龍天門」オリジナルのウェルカムハーブティーからスタート。金芽紅茶や白龍珠などの中国茶、TWGティーを含む全9種類がフリーフローで提供される。

お腹に余裕があれば、名物の「くるみ入り小さな担々麺」や「叉焼入り炒飯」を追加するのもおすすめだ。

香港で受け継がれてきた飲茶文化と秋の味覚。その両方を一度に楽しめる「龍天門」のアフタヌーンティーで、いつもとはひと味違う秋の午後を過ごしてみてはいかがだろうか。

◆「飲茶アフタヌーンティー “秋の収穫祭＆香港ディライツ”」
【期間】開催中～2026年11月30日（月）
【会場】ウェスティンホテル東京 2F 広東料理「龍天門」
【時間】平日 14:00～16:00／14:30～16:30、土・日・祝 13:45～15:45 ※2時間制、30分前L.O.
【料金】8,200円（税・サービス料込）
【数量】1日20食限定
※要オンライン予約・事前決済

京都で月を愛でる──平安から続く観月の文化と美意識

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秋の夜、ふと見上げた空に浮かぶ月。その美しさに足を止める時間は、昔も今も変わらないのかもしれません。

京都では平安時代から、月を愛でる文化が育まれてきました。月そのものだけでなく、水面に映る姿や、移ろう表情、周囲の景色とともに月を楽しむ。そこには、日本ならではの美意識が息づいています。

今回の京都通信では、平安時代〜現代にいたる観月の風習から、月見団子に見る地域の違いまで、月をめぐる文化をたどりながら、お月見の魅力を紐解いていきたいと思います。

平安貴族が愛でた月

月を愛でる文化は、いつ頃から親しまれてきたのでしょうか。

古くから、日本人にとって月は身近な存在。月の満ち欠けを基準とした暦、月の神様への信仰、そして文学や情緒の源泉として、日本人の暮らしや文化に深く根付いてきました。

そこへ中国の観月文化が加わったのが平安時代。以来、お月見の風習が宮廷を中心に広まったといわれています。

広く親しまれるきっかけとなったのが、嵯峨天皇による観月の宴。現在、大覚寺の東に位置する大沢池がその舞台となりました。

嵯峨野のなだらかな山並みを借景に水をたたえるこの池は、嵯峨天皇の離宮・嵯峨院の苑池として造られた日本最古の人工林泉。中国の洞庭湖を模したことから「庭湖」とも呼ばれ、唐風文化を好んだ嵯峨天皇の趣向が随所に感じられます。

中秋の名月の夜、嵯峨天皇は文化人や貴族らとともに、色鮮やかな龍頭鷁首を浮かべて詩歌を詠み、管弦を奏でながら月を愛でる——そんな風雅なひとときを過ごしたとされています。

月を映して味わう。観月の美意識

観月の楽しみは、夜空に浮かぶ月を見上げることだけではありません。

実は、お月見の風習が広まった平安時代、月をじっと見つめることは良くないことと考えられていました。

平安時代初期に書かれた『竹取物語』には、月を眺めて物思いに耽るかぐや姫が「月の顔見るは忌むこと」とたしなめられる場面があります。また、『源氏物語』宿木の巻にも、「月見るは忌みはべるものを」という表現が。

それでも、人々は月を愛でてきました。

平安貴族たちは、月を直接見るのではなく、池の水面や盃のなかのお酒に映る“逆さ月”を愛で、風流を楽しんだとされています。

このように、古くから人々は、月そのものだけでなく、月がつくり出すさまざまな景色にも心を寄せてきました。

日が暮れて、空の青が少しずつ深まり、やがて月が昇る。
十五夜に近づくにつれ、満ちていく月。
雲に隠れていた月が、ふと姿を見せる、その瞬間。

情景の美を見出すだけでなく、満ち欠けする月の姿に、時の移ろいやもののあわれを感じ取っていたのではないでしょうか。

今年のお月見は、そんなことに思いを馳せながら、月を眺めるひとときをゆっくりと味わってみるのもよいかもしれません。

現代に受け継がれる月見の文化　京都で楽しむ観月会

平安時代の貴族たちが楽しんだ観月の文化は、長い年月を経た今も受け継がれています。中秋の名月の頃になると、各地で観月会が催され、月にまつわる行事を楽しむことができます。もちろん、それは京都でも。

まずは、ライトアップされた名勝庭園「平安神宮神苑」へ。昼間とは異なる趣の庭園をゆっくりと散策し、静寂に包まれた秋の夜を堪能します。ディナー会場となるのは、神苑を臨む会館。旬の味覚をふんだんに取り入れた、この夜だけの特別なコースで、実りの秋を五感で味わいます。食事の時間には、舞妓さんによる舞も披露。艶やかな装いと優美な舞を間近で鑑賞したあとは、舞妓さんとの写真撮影も可能です。

美しい月を愛でながら、京都ならではの秋の風情と、古都の伝統文化に触れる特別なひとときを過ごしてみてはいかがでしょうか。

〈～中秋の名月を愉しむ～観月ディナー〉

開催日程：2026年9月25日（金）
公式サイト：https://www.heianjingu.com/party/afternoontea/usual/kangetsu-heian/

〈観月祭 ―月を詠み、月を愛でる―〉

開催日程：2026年9月26日（土）
公式サイト：https://tomo-group.co.jp/lp/ninnaji_kangetsusai/

そのほか、月にちなんだ法要や雅楽・舞楽を楽しめるものから、茶席や食事とともに付きを愛でるものまで、さまざまなイベントが。大覚寺・大沢池では毎年、3日間にわたって「観月の夕べ」が開かれます。1,000年以上の時を経てもなお、同じ場所で月を眺められることに、昔と今とが月を介してつながっているような感慨を覚えます。

こうした観月会をきっかけに、古くから続く月見の文化に触れてみるのも一興です。

月見団子に見る地域の文化

江戸時代になると、お月見の風習は庶民にも広まります。ただ月を愛でるだけでなく、秋の収穫を祝い、翌年の豊穣を祈るための行事として定着。月に見立てたお団子をお供えするようになったのは、この頃からだといわれています。

実は、この月見団子には地域による違いがあります。関東では、白く丸い団子を積み上げる形が一般的。一方、関西では、里芋を思わせる細長い形の団子にあんを巻いたものがよく見られます。

そのほか、静岡には「へそもち」と呼ばれる中央がくぼんだ団子を供する地域も。沖縄には細長いお餅に小豆をまぶした「フチャギ」を供える風習があります。

十五夜（中秋の名月）は「芋名月」とも呼ばれ、里芋などを供える風習とも結びついてきました。関西で見られる里芋形の月見団子も、こうした風習を背景にしたものとされています。

また、名月は十五夜だけではありません。
旧暦8月15日にあたる十五夜の約ひと月後、旧暦9月13日を「十三夜」と呼びます。

十五夜が中国伝来の行事であるのに対し、十三夜は日本独自の月見の風習。
十五夜に次いで美しいとされるこの夜の月は、満月ではなく少し欠けた姿をしています。この月を名月として愛でるところに、不完全なもののなかに美を見出す、日本らしい美意識を感じさせます。

十三夜は、栗や豆が収穫できる時期であることから、「栗名月」や「豆名月」とも呼ばれ、月見団子のほか、栗や枝豆、柿、南瓜など、季節の収穫物を供えるのが習わし。

かつては十五夜と十三夜、どちらか一方の月だけを見ることを「片見月」といって、縁起が悪いとされていたそう。人々にとって、十三夜も、それほど身近なものであったことがうかがえます。

今年の中秋の名月は9月25日。でも実は、満月を迎えるのは翌々日の27日なのです。名月と満月の日付がずれることは、しばしば起こるそうですが、2日ずれることは稀。次に起こるのは2043年なのだとか。

さらに、今年は中秋の名月と金運の吉日とされる寅の日が重なる年。そんな夜に月を眺めれば、何だか良いことが起こりそうな気がしてきます。

千年以上の時を超えて、今も私たちの暮らしに残る月見の文化。少しだけ立ち止まって、月を眺めてみる。秋の京都で、そんな時間を楽しんでみてはいかがでしょう。

Text by　Erina Nomura

野村枝里奈
京都在住のライター。大学卒業後、出版・広告・WEBなど多彩な媒体に携わる制作会社に勤務。2020年に独立し、現在はフリーランスとして活動している。とくに興味のある分野は、ものづくり、伝統文化、暮らし、旅など。Premium Japan 京都特派員ライターとして、編集部ブログ内「京都通信」で、京都の“今”を発信する。